RAM LIVE

2012-01-26T10:58:00.010+01:00

RAM radioartemobile
-
Camere #17
Des Mondes De Poche

GIANFRANCO
BARUCHELLO
-
YONA FRIEDMAN &
JEAN-BAPTISTE DECAVÈLE
-
FABRICE HYBER

a cura di

Chiara Parisi
-

RAM radioartemobile
Via Conte Verde 15 - Roma

Inaugurazione 31 Gennaio ore 19.00
fino al 31 Marzo 2012

da martedì a sabato dalle 16.30
alle 19.30 e su appuntamento

Gianfranco Baruchello, Yona Friedman&Jean-Baptiste Decavéle e Fabrice Hyber invitati negli spazi di RAM radioartemobile partecipano alla 17a edizione di CAMERE.
Des Mondes de Poche/Mondi tascabili è un progetto nato da una serie d’incontri negli appartamenti romani e parigini basato sul concetto di condivisione e comunicazione.
Il sistema di Camere è una rappresentazione di quel processo comunicativo che permette di condividere realtà e verità. Gianfranco Baruchello crea Psicogim, una vera e propria palestra per la mente, rifiutando il dualismo tra realtà e irrealtà, si apre alla tendenza e alla propensione. Una comunicazione duale, non solo con gli artisti vicini, ma un atto volto all’interazione con se stessi: le idee si tracciano lungo i perimetri della mente, dentro e intorno. Il lavoro del duo Yona Friedman e Jean-Baptiste Decavèle è costituito da una costellazione di invenzioni architettoniche, creazioni fotografiche o video, che si innestano a un universo utopico e visionario. Oltre che una comune produzione, i due artisti sono legati da profonda amicizia e un’avventura creativa che prende forma dalla fittizia isola di Balkis.
L’intervento di Fabrice Hyber offre al visitatore la possibilità di immergersi nel suo universo in cui altera la funzione originale di una grande quantità di oggetti familiari presi in prestito dal mondo quotidiano. La sua proposta si sviluppa intorno alla presentazione dei POF (Prototipi di Oggetti in Funzionamento) sospesi al soffitto con una moltitudine di disegni.
Il testo critico della mostra Des Monde de Poche è di Chiara Parisi, Direttore dei Programmi Culturali de La Monnaie de Paris.
Precede l’inaugurazione di Camere XVII, la tavola rotonda DAC·PRODUCERS vs ARTISTS il 30 gennaio 2012 alle ore 18.00 presso l’Hotel Hassler in Piazza di Trinità dei Monti, 6 Roma. Gli artisti si confrontano con esponenti del mondo industriale per individuare una Denominazione Artistica Condivisa.

Des Mondes de Poche/Mondi tascabili è nato da una serie d’incontri in appartamenti romani e parigini. Un’avventura umana per una ridefinizione politica delle piccole comunità che incoraggiano il concetto di condivisione e la qualità degli incontri. La prima proposta per Camere è un modellino di Yona Friedman & Jean-Baptiste Decavèle, La petite ville spatiale, realizzata appositamente per la mostra. Si tratta di una riattualizzazione di una delle idee chiave di Yona Friedman: La Città spaziale, esempio e teoria architettonica che rimanda al concetto stesso del progetto Camere. Uno spazio che non è costruito, riempito o modificato, ma reso disponibile all’uso. Fin dal 1958, Yona Friedman crea i principi della Città spaziale, la più importante applicazione dell’architettura mobile, una struttura su palafitte in cui si alternano volumi abitati e vuoti formando dei “quartieri” dove si distribuiscono liberamente gli alloggi. La sopraelevazione permette a queste strutture di svilupparsi al di sopra di siti indisponibili, di aree non edificabili o già edificate e di terreni agricoli. Realizzando per Roma questo modellino smontabile e trasportabile della Città spaziale, Yona Friedman e Jean-Baptiste Decavèle dimostrano -come l’architetto aveva già anticipato nel suo manifesto L’Architettura mobile- che la mobilità non deve essere quella dell’edificio, bensì quella dell’utente al quale viene data una nuova libertà. In effetti, come dimostra l’installazione della prima Camera, la Città spaziale rende lo spazio libero e disponibile senza riempirlo. I film di Jean-Baptiste Decavèle fanno parte del modellino e sono presentati come film tascabili, proiettati su dei moduli portatili in cartone o carta da calco. Architecture d’aujourd’hui, Architecture Mobile, Paris le 05 septembre 2011 è una sequenza di 25 minuti in cui Yona Friedman nel suo appartamento parigino, sfoglia pagina per pagina, il manoscritto originale dell’Architecture mobile. Oltre a essere una testimonianza sulla relazione che unisce Yona Friedman al suo concetto architettonico, il film è una riattualizzazione materiale e concettuale del pensiero dell’architetto nel cuore stesso della Città Spaziale qui presente. Lo stesso avviene per Iconostases 25 i.s., durante il quale Yona Friedman costruisce per la prima volta in scala 1:1 un’iconostasi. Yona Friedman afferma che “L’architettura nuova potrebbe essere lasciata all’improvvisazione degli abitanti. È necessario concepire delle tecniche che facilitino l’improvvisazione. Questa improvvisazione è una soluzione sociale per l’individuo. Essa può condurre a una nuova estetica”. Dimostrando che ogni azione costituisce solamente una tappa intermedia ed evolutiva di un cantiere gigantesco e in perpetua creazione, l’intervento di Fabrice Hyber all’interno di Camere incoraggia il rinnovamento delle consuetudini e dei comportamenti. La sua proposta si sviluppa intorno alla presentazione di una serie di POF (Prototipi di Oggetti in Funzionamento) sospesi al soffitto con una moltitudine di disegni. Fabrice Hyber offre al visitatore la possibilità di immergersi nel suo universo in cui altera la funzione originale di una grande quantità di oggetti familiari presi in prestito dal mondo quotidiano. Così facendo modifica la coscienza e la pratica che abbiamo di questi oggetti in quanto la loro nuova forma stimola e genera nuovi atteggiamenti. Fabrice Hyber lascia al visitatore come messaggio che “a casa tutto è possibile, per il progetto do it da fare a casa di Hans-Ulrich Obrist, avevo suggerito: fai quello che vuoi. Una camera è un’esperienza quotidiana, vi traspirano dei desideri e qualche volta ci si muore. Tutto in una camera è nostro e per noi: dalle note per memoria alle impronte”. La terza e ultima Camera è di Gianfranco Baruchello. Rifiutando il mito di una predominanza duchampiana priva di errori, Baruchello avverte nell’eredità dell’opera del suo amico una formidabile risorsa di libertà. Nella sua Camera crea degli esercizi per il cervello, una Psicogim, con istruzioni e piste che pongono il visitatore dinanzi a un baratro attraverso la lettura di un testo critico e pratico dove si ritrova a ripercorrere la propria vita, una giornata tipo, in cui l’attività psichica viene messa alla prova attraverso immagini, oggetti e brani letterari che trova intorno a sé. Una ginnastica per l’immaginazione e per le idee. Gianfranco Baruchello spiega “Ho fatto da molti anni una scelta che rifiuta il dualismo tra realtà e irrealtà e che apre alla terza via della tendenza e della propensione. Quella scelta presuppone il superamento di soluzioni intermedie quali l’auto convincimento della prova o il grande racconto fiabesco. Scienza e conoscenza costeggiano il caso, il possibile e il probabile, avventurandosi nei territori dell’incerto e dell’intelligenza parallela. Ne deriva l’inquietante sensazione che l’intelligenza umana, in rapporto a quella ineluttabile, precisa e matematica della Materia–Natura, possieda infatti (come i motori nuovi delle auto) un diaframma che impedisce di varcare i limiti dove la mente vacilla ed esita. L’Arte, oggi, è il sintomo (ancora precoce) che è possibile andare oltre quel diaframma. Per fare questo servono nuovi linguaggi-ipotesi e molto coraggio di fronte al rischio. Le nuove tecnologie non bastano ma possono almeno concorrere a formulare con più precisione i termini di quella sfida. L’artista, continua comunque a porsi domande e a proporre idee ma anche a tracciare nuovi perimetri, cercando altre immagini e modi intorno e dentro la sua mente”. Des Mondes de Poche presenta un dispositivo umano che si relaziona a gruppi di due o più persone per convergere verso una situazione nella quale uno può far progredire l’altro. L’insieme aspira così a scambiare idee senza imporsi all’altro, ad aggiungere dei comportamenti, delle soluzioni piuttosto che opporne altre, ad arrivare a visioni meno dualistiche per sviluppare l’idea della relatività, della mobilità e della relazione. Chiara Parisi

RAM radioartemobile
Camere #17
Des Mondes De Poche
Via Conte Verde 15 - Roma

Inaugurazione 31 Gennaio ore 19.00
fino al 31 Marzo 2012

www.radioartemobile.it

2012-01-22T18:00:00.006+01:00

COSE (QUASI) MAI VISTE

Idee, processi e progetti della ricerca
artistica italiana degli anni ’60 e ’70

di Mario de Candia, Patrizia Ferri

Mercoledì 25 gennaio 2012, ore 17

Sala Mostre & Convegni
Gangemi Editore (via Giulia 142 - Roma)
-
interventi di:

Paolo Aita, critico d’arte e giornalista

Cecilia Casorati, docente, critico d’arte
e curatore indipendente

Miriam Mirolla, docente di psicologia
dell’arte Accademia di Belle Arti - Roma

“Cose (quasi) mai viste” mette in campo un’ipotesi di contributo alle conoscenze dell’arte degli Anni ‘60-’70 attualizzando ed elaborando tesi sostenute già negli anni passati, introducendo un’attitudine aperta alla domanda più che alla chiusura filologica. Cerca di ricostruire o ricostituire per somme linee, ed esemplari personalità, il mosaico esploso di una pratica recente dell’arte, profondamente ancorata e radicata come rivoluzionaria nel nostro tempo: lo specchio di una società, la nostra di quegli anni, che viveva una mutazione e attraversava cambiamento di segni, di senso e delle strutture mentali. [...] Attraverso alcuni testimoni del periodo come Carla Accardi, Franco Angeli, Gianfranco Baruchello, Umberto Bignardi, Alighiero Boetti, Nicola Carrino, Luigi Di Sarro, Paolo Gioli, Ettore Innocente, Jannis Kounellis, Sergio Lombardo, Renato Mambor, Luca Patella, Lamberto Pignotti, Vettor Pisani, Cloti Ricciardi, Mario Schifano, Michele Zaza, si intende declinare pertanto più momenti di proficua convivenza e dialettica coabitazione fra autori di aree espressive che, seppure pertinenti alle medesime radici storiche e culturali, conosciamo come sostanzialmente differenti, nelle intenzioni, negli esiti e, soprattutto, nella evoluzione dei loro rispettivi lavori e ricerche, non solo per gli anni considerati dalla rassegna, ma – per i casi – fino a tutt’oggi. Artisti estrapolati dalle singole aree di pertinenza linguistica, dall’appartenenza a gruppi e tendenze degli anni che furono, con l’intenzione, da una parte, di sottrarli a logiche rigide di lettura critica, etichette ed incasellamenti; da un’altra, di liberarli da classificazioni e sottolinearne l’identità individuale e la ricchezza delle poetiche, delle gamme espressive e concettuali, oggi punto di riferimento consapevole delle ultime generazioni che da questi precedenti hanno appreso la capacità di elaborar e i propri linguaggi con approccio sperimentale, indagandone tutte le potenzialità strutturali, oltre l’aspetto formale.

http://www.gangemi.com/evento.asp?id=841

2012-01-15T17:33:00.003+01:00

Fondazione Giorgio e Isa de Chirico

presents

D'APRÈS GIORGIO
a project curated by Luca Lo Pinto

opening: friday January 27 2012 from 11am till 8pm
The visit will be limited to 20 people at a time

January 28 2012 till January 27 2013

Friday January 27th at House-museum Giorgio e Isa de Chirico opens the exhibition-project D'après Giorgio, conceived and curated by Luca Lo Pinto. Several Italian and international artists of different generations are invited to dialogue with the works, the objects and the architecture of Giorgio de Chirico's House-museum.

The show will evolve within the space of a year and involves artists intentionally heterogeneous in their generation, poetics and stylistic research: Alek O., Darren Bader, Nina Beier, Carola Bonfili, Benny Chirco, Giulio Frigo, Martino Gamper, Paul Armand Gette, Mino Maccari, Tobias Madison & Kaspar Müller, Marcello Maloberti, Carlo Mollino, Momus, Olaf Nicolai, Henrik Olesen, Luigi Ontani, Nicola Pecoraro, Emilio Prini, Dan Rees, Izet Sheshivari, Alexandre Singh, John Stezaker, Luca Trevisani, Luca Vitone, Raphäel Zarka and upcoming guests.

The exhibited works - installations, paintings, drawings, sculptures, photographs - are realized specifically for the suggestive spaces of the house where de Chirico had lived in the last thirty years of his life, situated on the top three floors of the 17th century Palazzetto dei Borgognoni, in the centre of what was considered the cultural and artistic centre of the city since XVII century. Like other famous house museums like the Mario Praz Museum, the Soane Museum and the Freud Museum, also de Chirico’s house stimulates and brings into play concepts such as portrait, memory, collection, public/private. Whereas on one hand the pictorial, graphic and sculptural works witness de Chirico's lively artistic activity, on the other hand the decoration and the objects in the house reveal his more intimate and personal side.

In such a context the artists have been invited to contribute with non-invasive works, which are able to dialogue with the space by merging with it, with the intention to create various and multiple levels, narrative and interpretative. "D'après Giorgio intends to create a second level of interpretation of the house for people who come here and offer a new perspective on de Chirico's figure, thanks to a dialogue with contemporary artists" - explains Luca Lo Pinto - "The title of the show refers to the famous ‘d’après’ of de Chirico himself and is a way of paying homage to a key figure of the twentieth century avant-garde whose influence on the younger generations still keeps up today. At the same time the exhibition is an opportunity to introduce the house/museum to a wider public. The idea is to create a long story where the art works function as chapters in order to produce a narration at the same time expanded and frenetic, didactic and evasive, intimate and conceptual".

Not all the works will be presented at the opening at once, there will be several phases: in the course of/ during the year new works by new artists will be added, the result will be a "museum within a museum" in the making.
The visitors will be accompanied by a person in charge of the institution, who will illustrate the house and the project, creating with an own interpretation a further narrative level.

In occasion of the show Momus has realized an audio work which will function as a soundtrack.
The staff of the museum will wear uniforms especially designed by designer Julia Frommel.
Moreover for the whole project for the first time there will be presented to the public a series of photographs of the foundation's archive .

The catalogue is conceived as an art work by Izet Sheshivari. It is made of 365 pages, each one corresponds to a day of the year of duration of the show.

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Venerdì 27 gennaio inaugura a Roma presso la Casa-museo Giorgio de Chirico il progetto espositivo D'après Giorgio, ideato e curato da Luca Lo Pinto, che prevede gli interventi di diversi artisti italiani e stranieri di livello internazionale, invitati a dialogare con le opere, gli oggetti e l'architettura della Casa-museo de Chirico.

La mostra si articola nell’arco di un anno e coinvolge artisti volutamente eterogenei fra loro per generazione, poetica e ricerca stilistica: Alek O, Darren Bader, Nina Beier, Carola Bonfili, Benny Chirco, Giulio Frigo, Martino Gamper, Paul Armand Gette, Mino Maccari, Tobias Madison & Kaspar Müller, Marcello Maloberti, Carlo Mollino, Momus, Olaf Nicolai, Henrik Olesen, Luigi Ontani, Nicola Pecoraro, Emilio Prini, Dan Rees, Izet Sheshivari, Alexandre Singh, John Stezaker, Luca Trevisani, Luca Vitone e Raphäel Zarka e altri a venire.

I lavori esposti - installazioni, dipinti, disegni, sculture, fotografie – sono realizzati appositamente per i suggestivi spazi della casa in cui de Chirico abitò negli ultimi trent’anni della sua vita, sviluppata sui tre piani superiori del seicentesco Palazzetto dei Borgognoni in Piazza di Spagna, nel cuore di quello che fu considerato il centro culturale e artistico della città fin dal XVII secolo. Come altre celebri case-museo, quali il Museo Praz, il Soane Museum o il Freud Museum, anche la casa di Giorgio de Chirico stimola il visitatore a riflettere su tematiche inerenti al ritratto, alla memoria, all’idea di collezione, al rapporto fra pubblico e privato. Se le opere pittoriche, grafiche e scultoree testimoniano la fervida attività del de Chirico artista, l’arredamento e gli oggetti presenti nella casa ne svelano un lato più intimo e personale.

In questo contesto, gli artisti invitati al progetto sono chiamati a intervenire con opere non invasive, in grado di relazionarsi con lo spazio e di mimetizzarsi in esso, al fine di creare vari e molteplici livelli narrativi e interpretativi. “D’après Giorgio si propone di creare un secondo livello di lettura della Casa-museo per le persone che la visitano e di offrire un nuovo punto di vista su de Chirico, attraverso il dialogo instaurato con gli artisti contemporanei” – spiega Luca Lo Pinto – “Il titolo della mostra fa riferimento ai famosi ‘d’après’ dello stesso de Chirico ed è un modo di rendere omaggio a una figura cardine dell'avanguardia del Novecento, la cui influenza sulle nuove generazioni di artisti persiste ancora oggi. Nel contempo è l’occasione per far conoscere la Casa-museo a un pubblico sempre più ampio, attraverso una mostra pensata come una lunga storia, con le opere a fungere da capitoli, al fine di produrre una narrazione al tempo stesso dilatata e frenetica, didascalica e sfuggente, intima e concettuale”.

I lavori verranno presentati non simultaneamente durante l’inaugurazione, ma in più fasi: nel corso dell’anno nuove opere di nuovi artisti andranno ad aggiungersi a quelle già presenti, in modo da creare un "museo nel museo" in fieri. I visitatori saranno accompagnati da un responsabile della Fondazione, che illustrerà la casa e il progetto creando, con la propria interpretazione, un ulteriore livello narrativo.

In occasione della mostra Momus ha realizzato un lavoro audio che fungerà da colonna sonora.
Lo staff del museo indosserà delle divise disegnate ad hoc dalla designer Julia Frommel.
Inoltre, per tutta la durata del progetto viene presentata per la prima volta al pubblico una serie di fotografie tratte dall'archivio della Fondazione.

Il catalogo è concepito come un’opera d’arte da Izet Sheshivari ed è composto da 365 pagine, corrispondenti ciascuna a un giorno dell’anno in cui si svolge la mostra.

2012-01-08T15:31:00.000+01:00

GIANFRANCO BARUCHELLO
CERTE IDEE
GNAM - ROMA
Galleria Nazionale
d'Arte Moderna e Contemporanea
ROMA - Viale delle Belle Arti, 131

21 dicembre 2011 - 4 marzo 2012

La Galleria dedica a Gianfranco Baruchello una grande mostra personale che attraversa le fasi del lavoro dell'artista, sin dalla fine degli anni Cinquanta. A cura di Achille Bonito Oliva e Carla Subrizi, la mostra raccoglie più di 60 opere provenienti, per questa occasione, da collezioni italiane e europee accanto a documenti e materiali della continua ricerca di idee, progetti, azioni.

GNAM - ROMA

http://www.gnam.beniculturali.it

2012-01-03T19:47:00.013+01:00

AROUND FOUR OR MORE
CORNERS OR CORNERS PIECES...

an online exhibition curated
by Jacob Fabricius for

NERO

With:

Jay Chung & Q Takeki Maeda
Isa Genzken
Robert Gober
Flecix Gonzáles-Torres
Henrietta Heise
Alfredo Jaar
Martin Kippenberger
Liz Larner
Bruce Nauman
Henrik Olesen
Amalia Pica
Adrian Piper
Dan Rees
Mandla Reuter
Fred Sandback
Richard Serra

Jacob Fabricius's exhibition is now online.

You can visit the show at
http://www.neromagazine.it/corners.html

Here you can read about the
concept of the exhibition.

ADAPTATION is an ongoing project curated by NERO that works between paper and internet format, reversing the usual roles of both media. The project consists in inviting a different artist or curator to conceive a show for each issue. The press release for the show is published as an article in the magazine, and the actual show is presentd online on the magazine website.

http://www.neromagazine.it

2011-12-28T19:40:00.004+01:00

RAM Live wishes happy
holidays to all listeners
-

for any information
contact us at
live@radioartemobile.it

2011-12-22T11:44:00.002+01:00

Omaggio a Edith Schloss,
scomparsa la scorsa notte

Doveva essere una mostra e una giornata in suo onore. E lo sarà tanto più, essendo l' artista scomparsa lo scorsa notte, alla vigilia dell' inaugurazione di una rassegna organizzata in occasione dell' imminente Natale. Edith Schloss, tedesca di nascita, a Roma dai primi anni Sessanta, figura notissima in città anche per via del suo eclettismo creativo - è stata pittrice con prima personale nel 1947, e giornalista d' arte, e poetessa - è morta nella città che aveva scelto come luogo di residenza dopo aver lasciato gli Stati Uniti e New York, ambiente dove aveva stretto legami, tra gli altri, con artisti quali de Kooning, Joseph Cornell, Philip Guston. La «straniera di Roma» era stata una delle protagoniste di quell' aurea stagione culturale che Roma visse negli anni Sessanta e Settanta, stringendo rapporti, tra i tanti, con Cy Twombly e Giulio Turcato. Edith sarà ricordata nella mostra alla Casa delle Letterature (piazza dell' Orologio 3, tel. 06.68134697, fino alle 21.30). Un' iniziativa a cura della direttrice dello spazio, Maria Ida Gaeta, che così era stata pensata e così resterà. Anche se senza di lei.

La redazione di RAM Live fa le piu sentite
condoglianze agli amici della pittrice scomparsa

2011-12-21T16:04:00.004+01:00

EDITH SCHLOSS
ALVIN CURRAN

The Painted Song.
Il canto dipinto

Casa delle Letterature
Piazza dell'Orologio, 3 - ROMA
21 dicembre 2011 - ore 18.30
fino al 31 gennaio 2012

The Painted Song. Il canto dipinto, quindici acquerelli inediti realizzati dall’artista Edith Schloss sugli spartiti del musicista Alvin Curran il quale, nel corso della serata inaugurale eseguirà l’intervento musicale dal titolo Riti marittimi.

Il Natale sarà raccontato anche dalle interpretazioni di 3 artisti (Orazio Battaglia, Stefano Canto, Delphine Reist, selezionati da Emanuela Nobile Mino), che realizzeranno progetti site-specific negli spazi interni ed esterni di Casa delle Letterature - uno dei luoghi più interessanti dal punto di vista architettonico e culturale della città, parte dell’eccezionale complesso borrominiano che include la Chiesa di Santa Maria in Vallicella e l’Oratorio dei Filippini - e dalle composizioni inedite appositamente scritte da poeti (Damiano Abeni, Elisa Davoglio, Vittorio Lingiardi, Daniele Mencarelli, Gilda Policastro, Lidia Riviello) e da narratori (Gaja Cenciarelli, Antonella Lattanzi, Matteo Nucci, Christian Raimo, Veronica Raimo, Paolo Sortino) selezionati dalla rivista Nuovi Argomenti.

Durante l’inaugurazione delle mostre, i poeti e i narratori leggeranno i loro testi inediti e l’attrice Daria Deflorian proporrà all’ascolto del pubblico alcune poesie dell’artista Edith Schloss.

Saranno, inoltre, presentati il catalogo della mostra di Edith Schloss, accompagnato da un testo di Achille Bonito Oliva e il quaderno contenente i testi inediti scritti da poeti e narratori per le edizioni di NataleNatale 2009 e 2010 con le riproduzioni delle opere site-specific appositamente prodotte per l’edizione 2010.

Programma inaugurazione:
21 dicembre
ore 18.30
Inaugurazione dei lavori site-specific
degli artitisti
Orazio Battaglia
Stefano Canto
Delphine Reist
e della mostra
The Painted Song. Il canto dipinto
opere inedite di
Edith Schloss e Alvin Curran

ore 19.00
Lettura di poesie
Daria Deflorian
legge testi di Edith Schloss

ore 19.30
Intervento musicale
Riti marittimi
di Alvin Curran

ore 20.00
Letture degli inediti sul Natale
dei poeti
Damiano Abeni, Elisa Davoglio, Vittorio Lingiardi,
Daniele Mencarelli, Gilda Policastro, Lidia Riviello
e dei narratori
Gaja Cenciarelli, Antonella Lattanzi, Matteo Nucci, Christian Raimo,
Veronica Raimo, Paolo Sortino

Casa delle Letterature
Piazza dell'Orologio, 3 - ROMA
21 dicembre 2011 - ore 18.30
fino al 31 gennaio 2012

2011-12-15T21:47:00.009+01:00

GIANFRANCO BARUCHELLO
CERTE IDEE
GNAM - ROMA
Galleria Nazionale
d'Arte Moderna e Contemporanea
ROMA - Viale delle Belle Arti, 131

21 dicembre 2011 - 4 marzo 2012

GNAM - ROMA

http://www.gnam.beniculturali.it

2011-12-11T15:27:00.014+01:00

A.R.I.A.
Artisti Romani In Assemblea
al Teatro Valle occupato

DA MEZZOGIORNO
A MEZZANOTTE

11 - 12 - 11
Teatro Valle
Occupato - ROMA

La giornata – all’interno della Permanenza artistica di Riccardo Caporossi – propone una riflessione sul disorientamento attraverso linguaggi eterogenei: performance, dibattiti, istallazioni, video, etc… Si alterneranno momenti assembleari a presentazioni di opere appositamente create o già esistenti, ma comunque scelte direttamente dagli artisti per l’attinenza col tema della giornata. A.R.I.A., acronimo di Artisti Romani In Assemblea, nasce a marzo sulla comune percezione di un disagio collettivo che ha spinto gli artisti a redigere un manifesto: dall’idea del MUSEO diffuso, all’ipotesi di una nuova SCUOLA per un’educazione all’arte contemporanea sin dall’infanzia, fino a ripensare i luoghi dell’incontro e della riflessione come il BAR e della comunicazione con la costituzione di un GIORNALE. 4 tavoli di lavoro che hanno dato vita a progetti concreti che saranno illustrati nella giornata al Teatro Valle Occupato. Da mezzogiorno a mezzanotte A.R.I.A. dialoga con il tessuto culturale e sociale del nostro territorio, cercando di avvicinare l’ARTE CONTEMPORANEA ai non “addetti ai lavori” e creare un ponte tra l’ARTE e la CITTA’.

Per info: ariaroma2011@gmail.com
A.R.I.A. underground: redazionearia@gmail.com

http://www.teatrovalleoccupato.it/

2011-12-09T00:18:00.027+01:00

Prochain rendez-vous Hors les murs
le
Cneai
et la
Dena Foundation
présentent le lancement de

Top 100 vol.5 de

DAVIDE BERTOCCHI

Vendredi 9 décembre 2011
au CNEAI DE PARIS à 18h00

http://www.blogger.com/www.cneai.com/news-81
20 rue Louise Weiss, 75013 Paris
-

19h00 - Table de recherche
« L'archive sonore comme œuvre »
avec les commissaires, les critiques et les
artistes impliqués dans Top 100.

A l'occasion du lancement du volume 5, les 5 compilations seront diffusées
sur le Juke box Top 100, conçu par Samon Takahashi et réalisé par Clement Lyonnet. Top 100 est né en 2003, lorsque Davide Bertocchi interroge 100 curators et critiques sur le titre de leur chanson préférée. Il leur demande de choisir une seule et unique chanson, qu'il souhaiterait par exemple avoir
avec eux en exil sur une île déserte. Ce qui intéresse Davide Bertocchi dans cette question, empreinte d'implications significatives, c'est ce premier geste simple et entier, toujours moins évident dans une période
de critique globalisée qui conduit au consensus.
Top 100 - vol.5, une sélection de : Marina Abramovic, A Constructed World, Shahidul Alam, Maria Thereza Alves, Carola Annoni, Cory Arcangel, Francesco Arena, Alessio Ascari, John Baldessari, Daniele Balit, Miroslaw Balka, Luca Massimo Barbero, Colette Barbier, Liliana Basarab, Pierre Beloüin, Daniel Birnbaum, Dominique Blais, Katinka Bock, Elena Bordignon, Sylvie Boulanger, Candice Breitz, Kerstin Brätsch, Cecilia Canziani, Etienne Chambaud, Mehdi Chouakri, Nataline Colonnello, Lauren Cornell, Bice Curiger, Nemanja Cvijanovic, Daria de Beauvais, Ann Demeester, Gintaras Didžiapetris, Cathryn Drake, Gilles Drouault, Jimmie Durham, Haris Epaminonda, Jacob Fabricius, Didier Faustino, Ettore Favini, Chris Fitzpatrick, Sylvie Fleury, Luca Francesconi, Aurélien Froment, Julien Fronsacq, Chiara Fumai, Dora Garcia, Francesco Garutti, Ida Gianelli, Dominique Gonzalez-Foerster, Tue Greenfort, Theodoulos Gregoriou, Antonio Grulli, Henrik Haakansson, Jeppe Hein, Fabrice Hybert, Anton Kern, Terence Koh, Johann König, Stéphane Kropf, Claire Le Restif, Beatrice Leanza, Luca Lo Pinto, Géraldine Longueville, Bartomeu Marí, Samuele Menin, Darius Mikšys, Viktor Misiano, Aaron Moulton, Ciprian Muresan, Deimantas Narkevičius, Melanie Ohnemus, Orlan, Tony Oursler, Virginia Overton, Lara Pan, Francesco Pantaleone, Florence Parot, Francesco Pedraglio, Adriano Pedrosa, Dan Perjovschi, Angelo Plessas, Luigi Presicce, Riccardo Previdi, Davide Quadrio, Judith Quentel, Dan Rees, Francesca Referza, Caterina Riva, Gerwald Rockenschaub, Dieter Roelstraete, Aïda Ruilova, Nana Seo Eun-A, Sissi, Annika Ström, Yann Sérandour, Pascale Marthine Tayou, Sandra Terdjman, Massimiliano Tonelli, Luca Trevisani, Nicola Trezzi, Joris Van de Moortel, Neville Wakefield, Franz West,Jocelyn Wolff, Akram Zaatari, Raphaël Zarka, Li Zhenhua.
Top 100 - vol.5, édition de CD et poster en 500 exemplaires. Graphic design : Martin Pyper, Amsterdam. Co-édition cneai = , Dena Foundation, ArtHub Asia, N.O. Gallery .
Un projet soutenu par la Dena Foundation depuis le 1er volume en 2003.

Dena Foundation for Contemporary Art
2 quai des Célestins 75004 Paris – France / Tel.+33 (0)9 81 03 34 75 / info@denafoundation.com / http://www.denafoundation.com/

2011-12-02T18:56:00.004+01:00

Radio Arts Space
FM/online/gallery
exhibition

7-16 December 2011,
opening 7 Dec. 8:00p.m.

ŠKUC Gallery Ljubljana

ŠKUC Gallery Ljubljana
FM frequency 88.8MHz Ljubljana
radioCona stream

Radio Arts Space constructs a gallery inside radio space, where Sound art and Radio art works are exhibited. It explores all the possible ways of exhibiting and reading Radio and Sound art. The project is also complemented by an (international) platform for the discussion of meanings, contextualization, artistic research and the exchange of sound art works. It is not designed as a hermetic space with all the answers given in advance, but as a structurally complex space, which generates new questions..

Radio Arts Space consists from 46 artworks, exhibited by 42 artists from 22 countries.The project Radio Arts Space combines seven independent curatorial perspectives and approaches in its exhibition format (Manja Ristić, Maria Papadomanolaki, Milica Pekić, Ilari Valbonesi, Brane Zorman, Tevž Logar and Robert Sakrowski). The invited curators were given a common starting point: they could choose to put together a selection of works, based on an open call (160 artworks), released by radioCona in May 2011 and/or to choose the authors on their own. This is why some of artists in the exhibition appear several times.

Accompanied events: workshops (Torsten Michelson / Ligna, Robert Sakrowski (CYT)), lecture by Elizabeth Zimmermann, live events and performances (Petra Kapš / performative writer, Robert Sakrowski / An Acoustic Journey Through YouTube, Ilari Valbonesi / Ultra Disco, radioCona intervention on the Ljubljana Main marketplace and live skype performance by Brane Zorman with selected artists, the curators’ presentations).

curators / artists:: exibition programme :: radioCona programming :: who is who :: supporters :: pdf invitation/kartica :: pdf katalog/catalogue

Radio Arts Space vzpostavlja radijske frekvence kot galerijski prostor, kjer se razstavljajo dela, ki pripadajo področju sound art-a in radio art-a. Radio Arts Space v različnih modalitetah raziskuje pojem razstavljanja in možne načine njegovega branja. Razstava je zasnovana v različnih predstavitvenih dimenzijah, s čimer odpira številna vprašanja o področjih zvočne in radio umetnosti (sound art in radio art umetniških del).

Radio Arts Space je sestavljen iz nabora 46 zvočnih umetniških del, ki jih razstavlja 42 umetnikov iz 22 držav. Sedmim kuratorje smo ponudili možnost izbora umetniških del po lastnem izboru ter jim hkrati ponudili kar 160 del, ki so prispela na javni poziv radioCone. Pripravili smo okoli 20 ur materiala, ki bo podkrepljen s programom v živo. Spremljevalni dogodi: delavnica (Torsten Michelson / Ligna, Robert Sakrowski (CYT) predavanje Elizabeth Zimmermann, performansi (Petra Kapš / Piska v živo, Robert Sakrowski / An Acoustic Journey Through YouTube, Ilari Valbonesi / Ultra Disco, intervnecija radioCona na osrednji glavni Tržnici in Brane Zorman Live skype performance) ter vodstvo po razstavi s pogovori s kuratorji.

radioCona project RADIO ARTS SPACE is produced by CONA institute for contemporary art proccesing

partners of the project

KIOSK NoviRadioBeoGrad Zerynthia/ RAM live

2011-11-29T11:48:00.015+01:00

CITTA DI PALIANO
ASSESSORATO ALLA CULTURA
presenta

AMBIENTE IN CORTO
CORTOMETRAGGI PER L'AMBIENTE

30 novembre Piazza XVII
sala ESPERIA
dalle ore 21

All'interno della premiazione del concorso "Ambiente in Corto- Cortometraggi per l'Ambiente" mercoledì 30 novembre nella Sala Esperia del Comune di Paliano, verrà proiettato il film di Jimmie Durham PURSUIT OF HAPPINESS (2003, 13 minuti) scritto e diretto da Jimmie Durham. Il film è prodotto da Alves-Durham GbR, executive producer Zerynthia Associazione per l’Arte Contemporanea. Così Durham commenta il suo film: "There’s a young Indian man, played by Anri Sala, the Albanian artist; he’s walking along with plastic sacks, picking up different things in the desert - desiccated animal bones, garbage and so on. He then gets to the highway and walks along the shoulder of the highway, still picking up all the garbage he can find. The next scene finds him back home in his little shack, his trailer house, making art from this garbage. People have asked me if its an autobiographical film, and it’s not really. The art work looks more like the work of an American-Indian Julian Schnabel or something."

La serata seguirà il seguente programma:
Ore 21,00 introduzione a cura dell’Assessore alla cultura Marucci Simone

ore 21,10 Conferenza "Climate Change Conference”, a cura del Consiglio Comunale dei Giovani.

Ore 21,40 Proiezione del film di Jimmie Durham “The Pursuit of Happiness”, (2003, 13‘) prodotto da Alves-Durham GbR, produttore esecutivo Zerynthia Associazione per l’Arte Contemporanea.

Ore 22,00 Proiezione dei lavori realizzati e premiazione. In giuria Graziella Bonacchi della T.N.A. Artist’s Management, Ferdinando Vicentini Orgnani, Regista sceneggiatore e produttore, Giampaolo Roidi, Direttore del quotidiano “Metrò”.

2011-11-23T18:22:00.003+01:00

II EDIZIONE
DEL PREMIO 6 ARTISTA

mostra lavori
di fine residenza

MACRO
via Nizza 138 - ROMA

ADELITA HUSNI-BEY
ELISA STRINNA

24 - 11 - 11 ore 19

a cura di Vincenzo De Bellis

www.macro.roma.museum
www.6artista.it

2011-11-19T13:15:00.002+01:00

Translating China
Solo Exhibition
of Jannis Kounellis
TODAY ART MUSEUM
BEIJING

dal 19 novembre al 13 dicembre 2011

Si inaugura il 18 novembre al Today Art Museum di Pechino la prima mostra personale di Jannis Kounellis in Cina. La mostra – prima mostra personale di un artista non cinese al Today Art Museum - durerà eccezionalmente quasi un mese (dal 19 novembre al 13 dicembre 2011). Curata da Huang Du, la mostra è organizzata nell’ambito del progetto Translating China concepito e realizzato da Giuseppe Marino, della Galleria Marino di Roma.

Negli ampi spazi del museo saranno esposte opere nuove dell’artista italiano, realizzate nell’arco di un anno e mezzo appositamente per il Today Art Museum. L’artista ha lavorato direttamente in Cina, in uno studio a Pechino predisposto da Giuseppe Marino.

In esposizione, tra le altre opere, un’installazione a forma di “Z” che consiste in 15 moduli di ferro. Ciascun modulo è largo 1,95m, alto 2,35m e spesso 50 cm e contiene 160 kg di carbone. Su questi moduli saranno appesi dei pannelli, su cui sono posizionati frammenti di porcellana antica cinese.
I frammenti di porcellana antica cinese, di diverse provenienze, sono stati selezionati uno ad uno da Kounellis. Essi altro non sono che ciò che resta dei vasi e dei servizi da tavola che appartenevano alla classe borghese cinese, successivamente rastrellati in massa e sfasciati dalle Guardie Rosse di Mao durante la Rivoluzione culturale in quanto simbolo di borghesia (lo stesso avvenne per i libri che furono bruciati).

Tutti gli oggetti, che sono parte integrante delle opere in esposizione, sono stati trovati in Cina da Kounellis stesso. Nel caso dei vestiti disposti su pannelli di ferro, l’artista sfrutta il colore originale degli elementi che compongono l’opera creando una scala cromatica progettata per ogni opera.

Sarà esposto, inoltre, un imponente tavolo di ferro a forma di “K” sul quale sono disposti 4600 bicchierini di vetro.

Nel catalogo, realizzato per la mostra, testi di: Giuseppe Marino, promotore delle mostre di Kounellis in Cina; Huang Du, curatore della mostra; Jean Fremon, critico d’arte, Rudi Fuchs, storico d’arte e curatore olandese, curatore della mostra personale di Kounellis al Museo Kurhaus di Kleve in Germania e già direttore del Museo d’Arte Contemporanea Castello di Rivoli; Karen Smith, storica dell’arte specializzata in Arte contemporanea cinese nell’era post-Mao.

“Translating China-Solo Exhibition of Jannis Kounellis”
dal 19 novembre al 13 dicembre 2011

INAUGURAZIONE, 18 NOVEMBRE 2011, ore 16

TODAY ART MUSEUM
A cura di Huang Du
Dal 19 novembre al 13 dicembre 2011, dalle 10 alle 17
Venue: 2nd &3rd floor exhibition hall of building 1
ADD: No.32 Baiziwan Road, Chaoyang District, Beijing, 100022
Tel: 8610-58760600-100
Fax: 8610-58760500
www.todayartmuseum.com

2011-11-17T19:44:00.002+01:00

QUADRATONOMADE
CENTOXCENTOPERIFERIA

Scuderie Aldobrandini di Frascati
18, 19 e 20 novembre 2011

“Dalla sperimentazione di mostre senza fissa dimora nasce l’idea di fare del nomadismo culturale un punto di forza, costituendo una galleria mobile e flessibile, speculare rispetto a quelle radicate nel territorio, ma non per questo meno importante. Arte in movimento diventa dunque la parola chiave della nostra attività.” recita lo statuto di centoxcentoperiferia.

Quadratonomade è un progetto che si prefigge di creare una collezione/esposizione itinerante di opere d’arte, contenute in scatole bianche di cartone. Le scatole di dimensione 30x30x5 cm sono state consegnate a oltre 250 artisti. Parte quindi così un progetto facilmente trasportabile che partendo dalla periferia, non solo della città quanto forse, concettualmente parlando, dell’intero occidente ovvero dal Campo nomadi via di Salone, a Roma ove si è svolta la prima tappa a ottobre, si sposterà via via fino a concludersi nella prossima primavera al Palazzo delle Esposizioni.

Il 18-20 novembre 2011 sarà visibile alle Scuderie Aldobrandini di Frascati la seconda Preview di Quadratonomade che coinvolge gli artisti: Marcel.lì Antunez Roca, Edoardo Aruta, Mirko Baricchi, Emanuele Beltramini, Mirella Bentivoglio, Franco Berdini, Paolo Bielli, Andy (Bluvertigo), Canecapovolto, Bruno Ceccobelli, Ennio Ludovico Chiggio, Bruno Conte, Gianni Dessì, Marco Fedele di Catrano, Giosetta Fioroni, Shay Frisch Peri, Omar Galliani, Mark Kostabi, Edoardo Landi, Felice Levini, Rory Logsdail, Bruno Lucca, Renato Mambor, Gisella Meo, Ezia Mitolo, Daniele Monarca, Elisa Montessori, Santiago Morilla, Ugo Nespolo, Giorgio Orbi, Claudia Peill, Luana Perilli, Lamberto Pignotti, Emilio Prini, Daniele Puppi, Franz Rosati, Pietro Ruffo, Dario Sanfilippo, Maurizio Savini, Chiara Scarfò, Fra Sidival Fila, Franco Summa, Naoya Takahara, Barbara Uccelli, Andrea Valle, Grazia Varisco, Roberto Vignoli.

Nell’occasione verrà presentata l’applicazione quadratonomade per Ipad, realizzata dall’azienda Kiurma. Elementi quadrati ispirati alle opere possono essere azionati dall’utente e sono associati a dei suoni realizzati da artisti selezionati dall’etichetta Nephogram. Tra essi: Paolo Armao, Leila Bahlouri, Ynaktera Kcis, Philippe Lamy, Cristiano Luciani, Simone Pappalardo, Giuseppe Pradella, Trashi Puntso, Franz Rosati, Francesco Saguto, Dario Sanfilippo, Tnon, Andrea Valle, Caleb Wood, Yugen, Hatori Yumi.

A completare la serata di Frascati alcuni eventi: una Performance di musica elettroacustica/digitale a cura di Nephogram. Si tratta di Gridshape, un progetto di Francesco Saguto e Franz Rosati, in cui l’incontro tra le timbriche calde della chitarra classica e l’elaborazione elettroacustica in tempo reale opera una scomposizione e ricomposizione dello strumento acustico. Ci sarà la sperimentazione di Andrea Valle, che presenta “La terra guasta”, parte di un progetto più ampio dedicato alla costruzione all’utilizzo di sorgenti sonore controllate dal calcolatore. Nell’installazione “La terra guasta” è il testo della waste land di T.S. Eliot che funziona come sorgente di controllo per il rumentarium. Infine il musicista palermitano Hatori Yumi proporrà un live set di elettronica minimale e glitch, accompagnato da un set video con forme astratte e geometriche.

I membri del gruppo centoxcentoperiferia sono:

Donatella Pinocci / Donatella Giordano

Arianna De Biasi / Simone Martinelli (Clifford)

Carla Pinocci / Mauria De Angelis

2011-11-15T19:16:00.001+01:00

LA GRANDE
ASTRAZIONE CELESTE
ARTE CINESE DEL XXI SECOLO

a cura di Achille Bonito Oliva

16 Novembre 2011 - 15 Gennaio 2012
MACRO - ROMA

L'arte cinese contemporanea, nella complessità delle sue antiche radici Dao e Zen, Caos e Cosmos, è il frutto di una lunga strada pittorica, che si è emancipata da una manualità iniziale come semplice conferma della tradizione.I 15 artisti, che qui presentano 32 opere, appartengono a generazioni diverse e grazie a loro è possibile rintracciare un’astrazione in continua trasformazione dal 1973 fino ai giorni nostri, dove la pittura acquista una misura minimale e trova una assonanza con la ricerca artistica occidentale per la quale l'arte, come diceva Leonardo Da Vinci, è “cosa mentale”.

Dal 16 novembre al 15 gennaio 2012 al Macro Testaccio ci sarà la mostra La Grande Astrazione Celeste, nell'ambito de Le vie della seta. L'artee cinese

contemporanea, nella complessità delle sue antiche radici Dao e Zen, Caos e Cosmos, è il frutto di una lunga strada pittorica, che si è emancipata da una manualità iniziale come semplice conferma della tradizione. Ha acquisito, andando oltre la disciplina esecutiva, una valenza di gestualità soggettiva ed una qualità concettuale che ci permette di riconoscere alle ultime generazioni cinesi una collocazione nel panorama internazionale nella ricerca artistica.Verrà presentata una selezione di 32 opere provenienti dalla prima mostra che un critico italiano, Achille Bonito Oliva, abbia mai curato al NAMOC – National Art Museum of China di Pechino, nel 2010.

16 Novembre 2011 - 15 Gennaio 2012 MACRO - ROMA
http://www.macro.roma.museum/

2011-11-12T15:05:00.005+01:00

Marco Fedele di Catrano
Galerie Mario Iannelli, Berlin

Opening November 12th, 6pm

Unbearable dissertation on a broken line.
The artist's point of departure is the line, understood as a sharp intervention in space, as a possibility of union and connection but also of separation between forces.

curated by Antonia Alampi

Galerie Mario Iannelli Berlin is pleased to present
"Unbereable dissertation on a broken line", a solo
show by Marco Fedele di Catrano, articulated trough
a body of works realized in direct and “physical”
relationship with the gallery spaces. The artist’s
point of departure is the line, understood as a
sharp intervention in space, as a possibility of
union and connection but also of separation between
forces, in its capability of undermining or amplifyi

ng
the infrastructure of places as their carriers. Works
in balance, which consciously evade any definition
and attempt of appropriation, traces and witnesses
of their process of research and realization,
in a seemingly continuous possibility of transformation.
Sebastian, halfway down, in direct dialogue with the
bearing pillar of the exhibition space, is an installation
composed of aluminium tubes and various types of stone.

The central wall of the gallery is pierced by tubular
elements that reach out to the large windows of the adjacent space, ending up in an interplay of pressure between the stones and the glass. The work becomes a material and post-industrial metaphor of the iconography of the martyrdom of Saint Sebastian: the tubes and the structure appear to arduously attempt to remain standing in a solution of precarious equilibriums. Euro Minute Dollar is confronted more directly with its own process of realization: the point of departure is a graph plotting the course of the Euro/Dollar exchange rate in the last year, covering the entire back wall of the gallery. The plasterboard has been carved out and graven following the lines of the graph until its resolution into an almost complete destruction; the fragments, superimposed onto each other, result in an unstable column. The sign has become action, violent intervention on the materiality of the gallery spaces, a totem of the artistic gesture and emblematic warning to who observes its effects. Hung to the ceiling, an iron circle, Senza titolo (Untitled), part and “result” of
a precedent work that becomes mere material for the
creation of a new piece, an unfinished task, the line
of a circle that is not complete but interrupted.
The difference between an eternal and inevitable contingency and the idea of a coherent and closed universe.

"Unbearable dissertation on a broken line" Catalogue published by Cura.books, with critical texts by Antonia Alampi, Lorenzo Benedetti, Barbara Buchmaier, Federica Martini and Eva Scharrer.

Opening November 12th, 6pm

Galerie Mario Iannelli
Hobrechtstrasse, 65 Fabrik 66 (3 piano) - Berlin
tuesday- saturday 2-6 PM
Admission free

2011-11-07T18:39:00.013+01:00

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KOUNELLIS - PATSUKOV (oct 2011)

CAMERE XVI THE THIRD TIGER (nov 2011)

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LEONID TISHKOV
Derelict Utopias
-

Galerie Jiri Svestka Berlin

11 November 2011
7 Januar 2012

Potsdamer
Straße 81c
10785

BERLIN

Verlassene Utopien: Dabloide und Ladomir
Das Projekt «DABLOIDE» des Moskauer Künstlers Leonid Tishkov nahm seinen Ursprung vor mehr als 20 Jahren. Es fing alles mit Comics und Alben an, später kamen noch Bücher und ein Theaterstück dazu, dann kamen Objekte, Videos, Installationen, Performances und schließlich die Gründung des Verlags und der Gesellschaft «Dablus» zur Propaganda der dabloiden Ideen. Ausgestellt wurden die «Dabloiden» in Museen weltweit, u.a. dem Museum für Zeitgenössische Kunst in Caracas, Block Museum und im Nasher Museum (USA), dem Zentrum für Zeitgenössische Kunst Fargfabriken in Stockholm. Das MoMA in New York hat Werke von Leonid Tishkov als erste Cartoon-Arbeiten europäischer Kunst in seine Sammlung aufgenommen.

Jetzt sind die Dabloiden nach Berlin gekommen: Comic-Bilder von «Propaganda-Dablus» sowie die Installation «Fabrik der Dabloiden», die als Aktion 2009 auf dem Kammgarn Kombinat in Jekaterinburg am Ural entstanden ist. Dabei hat der Künstler die entlassenen Arbeiter dafür bezahlt, dass sie Dabloide herstellten. Dabloide sind Lebewesen unseres Bewusstseins, in der Form an einen roten Fuß mit einem kleinen Kopf erinnernd. Rot ist die Farbe des Lebens. Dabloide sind ein Symbol für die Lasten an Erfahrungen, Sichtweisen oder Vorurteilen, die jeder Mensch mit sich trägt. Wir schleppen sie mit uns herum, unter dem Arm oder auf den Schultern, wohin wir auch gehen und wen immer wir treffen. Ein Teil unserer Dabloide sind weltweit verbreitet, andere sind eher lokal anzutreffen. Dabloide beinhalten alle unsere Symbole und Ideen: Heimat, Kanzler, Nationalität, Religion, Parteien, Gagarin, Big Mac, Nationale Front, Fahne auf dem Reichstag. Dabloide sind das ultimative Symbol, das für alle Symbole unserer Welt stellvertretend ist.
Sie unterscheiden sich von Mensch zu Mensch, von Land zu Land, von Kontinent zu Kontinent — sie sind Ausdruck von Sprache, Geschichte und sozialer Identität. Dabloide stehen exemplarisch für alle Dinge und erlauben es den Menschen, ihr Bewusstsein zu durchdringen und den ewigen Reigen der Cliches und Symbole im Kopf aufzuhalten. Die Dabloide aus unserem Bewusstsein zu verbannen ist die wichtigste Aufgabe des modernen Menschen. Das sozial-künstlerische Projekt der «Dabloiden» ist in den 1990er Jahren entstanden, zu einer Zeit als Russland sich auf der Schwelle zu einer neuen Gesellschaft befand; leider blieb das Projekt eine unrealisierte Utopie.

LADOMIR ist ein Projekt aus dem Jahr 2006 und dem großen Futuristen und Dichter des 20. Jahrhunderts gewidmet, Welimir Chlebnikow, sowie weiteren genialen russischen Avantgardisten: dem Künstler Kasimir Malewitsch, den Wissenschaftlern Ziolkovsky und Tschischevsky, und schließlich dem Philosophen und Kosmologen Nikolai Fedorov. Leonid Tishkov hat die Installation aus den einfachsten Dingen geschaffen, ohne die allerdings die Menschheit nicht vorstellbar wäre – Brot und Makkaroni.

Im Jahr 1921 verfasste Chlebnikow das Gedicht «Ladomir», einen Aufsatz über die Utopie einer Welt von vollständigen Harmonie, in der Menschen unterschiedlicher Hautfarbe, mit unterschiedlichen Sehnsüchten und Religionen zusammen leben. Für eine bessere Zukunft vereinen sie sich und erschaffen eine neue glänzende Welt. Die Menschen von «Ladomir» sind Prototypen von Vorsitzenden des Weltrates. Sie sind aus Brot geknetet: der Künstler sagt, sie bestehen aus Chlebnikow-Masse (auf Russisch bedeutet «chleb» – Brot. Im Zentrum der Installation befindet sich die Stadt «Sonnestan». Sie besteht aus Malewitschs «Architektonen», Tatlins Türmen und Popovs Rundfunkmasten. Sie wird überragt von Konstantin Ziolkovskys Röhre für Weltraumfahrten, dem Goldenen Nest-Haus, Flugzeugen und «Fliegenden Tatlins». Das ist eine zerbrechliche poetische Welt, deren Projekt nach der Russischen Revolution ein futuristischer Wunschtraum blieb: die Menschen sehen in Makkaroni nur Nahrung und nicht die leuchtenden Strahlen der Zukunft. Anfang des 21. Jahrhunderts brauchen die Menschen solche Utopien nicht mehr. Doch obwohl sie verlassen und aufgegeben wie Schiffe in der Luft schweben, erinnert uns ihre vergängliche Grösse an die Möglichkeit einer ganz anderen Welt, einer grossherzigen, von Glück und Gleichheit erfüllter Idealwelt. Am Ende der Ausstellung, in einem langen Korridor voller Schiessscharten begegnen wir noch einer weiteren unerfüllten Utopie.

Der Kristall-Magen des Engels: das ist die persönliche Utopie des Künstlers. Dieser Traum vom Fliegen gründet sich in seiner Biographie, seiner Kindheit im Ural, seinem Medizinstudium, seiner Begegnung mit dem Engel. Sie wird in Buch- und Videoform erzählt und mag noch viel rührender sein, als die unerfüllten Träume ganzer Völker.

Galerie Jiri Svestka
Berlin
11. November 2011
7. Januar 2012

Potsdamer Straße 81c

10785 BERLIN

2011-10-31T18:25:00.012+01:00

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KOUNELLIS - PATSUKOV (oct 2011)

CAMERE XVI THE THIRD TIGER (nov 2011)

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DANIELE PUPPI
in EDICOLA NOTTE
1-11-11 h 22
-

Vicolo Del
Cinque 23 - ROMA
-

Da oltre 15 anni a Roma, nel cuore di Trastevere, ha aperto i battenti Edicola Notte, uno spazio mini largo 1 metro e lungo 7, creato da un artista per gli artisti e la città. Il proprietario fondatore è infatti H.H. Lim, un artista cino-malese che vive da oltre 20 anni a Roma e che, attraverso diverse modalità artistiche, si interessa del linguaggio e del gesto.
Il minuscolo spazio di Trastevere ha un’unica entrata, quella sulla strada, che permette di vedere ciò che succede all’interno mentre si passeggia per i vicoli del vecchio quartiere. È uno spazio tutto bianco in cui ogni artista è invitato a fare un intervento secondo l’idea che più gli piace, confrontandosi con questo spazio piccolissimo e minimale, con la strada che passa di fronte e che ospita miriadi di persone, specialmente di sera. L’opera rimane visibile dalla strada, illuminata solo di notte, quando Trastevere è più vivace e la gente passa come vi passano gli artisti che realizzano un’opera dentro questo spazio. Essi infatti sono sempre artisti già affermati che fanno un passaggio per la città, "...non sono emergenti, - come dice Lim - perchè Edicola Notte non è un trampolino di lancio, né un porto".

www.edicolanotte.com

2011-10-23T17:51:00.024+02:00

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KOUNELLIS - PATSUKOV (oct 2011)

CAMERE XVI THE THIRD TIGER (nov 2011)

Jannis Kounellis. S.T.

Special Guests program della 4a

Biennale di Arte Contemporanea

di Mosca

organizzato da

National Centre for

Contemporary Arts (NCCA),

RAM radioartemobile

Supportato da

“Red October"

Sotto il patrocinio dell'

Ambasciata Italiana in Russia,

Istituto Italiano di

Cultura a Mosca

Curatore: Mario Pieroni

Sponsor: ZERYNTHIA

Associazione

per l’Arte Contemporanea

Red October Chocolate
department, 2° piano

Bersenevsky per., 2, bld. 1

MOSCA

Inaugurazione

26 Ottobre o

re 19.00

27 Ottobre –27 Novembre 2011

Il workshop con Jannis Kounellis avrà luogo il 24 Ottobre alle ore 19.00 presso la Small Hall del NCCA (Zoologicheskaya str.,13, bld. 2).
L’ NCCA in collaborazione con RAM radioartemo bile presenta la mostra di Jannis Kounellis come parte dello Special Guests program all’interno della 4a Biennale di Arte Contemporanea di Mosca. L’artista italiano di origine greca è stato uno dei fondatori dell’Arte

Povera, movimento artistico d’avanguardia nato in Italia alla fine degli anni ’60. Gli artisti coinvolti in questo movimento hanno creato installazioni di oggetti naturali e scarti industriali, di semplice, effimero, materiale povero.Dopo aver contribuito alla nascita e allo sviluppo dell’Arte Povera, recentemente Jannis Kounellis ruota attorno ai problemi riguardo il ruolo dell’artista e la missione civile dell’arte nella società contemporanea. I suoi lavori sono intrisi di alto lirismo e hanno una forma austera; riflettono l’intera storia dell’arte- dall’antichità all’avanguardia storica del ventesimo secolo e il presente.
S.T. -il nuovo ambizioso progetto di Kounellis ideato appositamente per questo spazi, sarà presentato al Red October Chocolate Departme nt dal 27 Ottobre al 27 Novembre 2011.
La prima personale di Jannis Kounellis in Russia ha avuto luogo nel 1991 alla Central House of Artists.
La mostra, come riconosciuto da molti professionisti, ha avuto un profondo impatto stimolante sullo sviluppo dell’arte contemporanea in Russia. Venti anni dopo Jannis Kounellis ritorna a esporre a Mosca.
“Nel 1991, la sua arte ha affermato il valore assoluto del materiale e quindi delle forme che determinano la vita dell’ uomo. Nel progetto del 2011, designato come S.T. (che probabilmente significa sine titulo) l’unicità artistica e l’esperienza di vita di Jannis Kounellis sono completamente rivelate, includendo le sue personali coordinate, così come quelle di molti destini umani, e l’immagine della nostra civilizzazione. S.T. mette a nudo l’installazione in tutto il suo ascetismo, rigorosamente all’interno dell’Arte Povera, e allo stesso tempo S.T. supera ogni confine ed entra nella terra del concettualismo e dei sensi e spazi universali artistici.”(Vitaly Patsukov). Secondo l'artista “c'è un intero universo dietro ogni opera d'arte”.
Jannis Kounellis è ancora uno degli artisti più influenti del mondo. Le sue opere si trovano nelle collezioni di importanti musei come il Centre Pompidou (Parigi), Stedelijk Museum (Amsterdam), Guggenheim Museum (New York), il MoMA (New York), la Tate Gallery (Londra) e molti altri.

Accrediti Stampa, ulteriori informazioni

PR department NCCA

(499) 254 84 92

e.balantseva@ncca.ru / pr@ncca.ru

www.radioartemobile.it

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2011-10-17T20:56:00.009+02:00

"I'm Going to Toss My Arms -
If you Catch them, They're Yours"

una nuova coreografia di

TRISHA BROWN

con musica di
ALVIN CURRAN
anche live sul palco

eseguita dalla
Trisha Brown Dance Company
nel RomaEuropaFestival
-
Teatro Olimpico
Piazza Gentile da Fabriano 17, Roma
tel. 06 32.65.991

21 e 22 ottobre 2011
ore 20.30
-

La fisicità, il movimento multidirezionale, la sintassi del corpo, l’arte contemporanea, l’improvvisazione, il suono in tutte le sue manifestazioni, perfino il silenzio: insomma tutto quello che ha reso per oltre 40 anni Trisha Brown un’artista di punta della danza mondiale, troverà una sintesi nel secondo appuntamento del ritratto a lei dedicato dal Festival Romaeuropa, arricchito dalla presenza di una nuova creazione. A differenza del primo appuntamento dedicato agli “Early Works”, stavolta in programma ci sono lavori creati da Brown per un palcoscenico: punto di svolta nella carriera della coreografa, “Watermotor” è un energetico solo del 1978, già immortalato su pellicola da Babette Mangolte, e stavolta ripreso da Neal Beasley. Del peculiare rapporto con gli artisti contemporanei sono testimonianza “Opal Loop/Cloud Installation #72503”, creata con la artista giapponese Fujiko Nakaya, conosciuta per le sue sculture fatte di nebbia, e dove quattro danzatori si muovono attraverso un ambiente vaporoso fatto di nuvole, e “Foray, Forêt”, l’ultima delle numerose collaborazioni con il celebre artista visivo Robert Rauschenberg, peraltro molto amico di Brown. Nota per gli scintillanti costumi metallici e per la fanfara di una banda di fiati questa coreografia deve il suo effetto potente al contrasto tra il virtuosismo dei danzatori e questi elementi scenografici e sonori.
Autrice di alcune regie operistiche di grande successo, nel 2010 Brown ha messo in scena ad Amsterdam “Pygmalion”, un’opéra-ballet del Settecento di Jean-Philippe Rameau in collaborazione per la parte musicale con il direttore d’orchestra William Christie e l’ensemble Les Art Florissants. Da quella regia, che reinterpretava lo spirito barocco in chiave contemporanea, ha elaborato “Les Yeux et l’âme”, un lavoro autonomo dove una “suite de danse” (ciclo di danze) ritrova la sua dimensione astratta e contemplativa in quello stile non narrativo che è una delle cifre della coreografa statunitense. Anche in questo caso riaffiora il legame di Brown con le arti visive, in particolare nelle scenografie che riproducono dei suoi disegni, mentre gli interpreti sfidano i principi dell’equilibrio e della forza di gravità, un tema caro a Brown dai suoi esordi.
Con la sua nuova creazione, che sarà completata il prossimo ottobre e presentata a Romaeuropa in prima nazionale, Brown punta a esplorare un universo ispirato alla scultura e alla calligrafia, lavorando come dice lei stessa «Sul linguaggio dei corpi annodati». Per la coreografa sarà anche l’occasione di tornare a collaborare con il video artista Burt Barr, e con Alvin Curran compositore di Providence, Rodhes Island, da anni residente a Roma.

Teatro Olimpico
Piazza Gentile da Fabriano 17, Roma
tel. 06 32.65.991

21 e 22 ottobre 2011
ore 20.30
info

2011-10-13T18:18:00.001+02:00

Space Metropoliz

presentazione giovedì
13 ottobre 2011 ore 17.30
Casa dell'Architettura
piazza Manfredo Fanti 47 Roma

Il cielo in una stanza/
SPACE METROPOLIZ_i primi relitti

Progetto di Fabrizio Boni e Giorgio de Finis
a cura di Silvia Litardi

periodo espositivo: dal 13 ottobre al 31 ottobre

In mostra, tra le altre, le opere di: Nicola Alessandrini, Paolo Assenza, Angelo Bellobono, Cobol Pongide, Alberto Corradi, Matteo Fraterno, Sasà Giusto, Hogre, Lucamaleonte, Mr. Klevra, Carlo Prati, Guendalina Salini, Andrea Valentini, David Diavù Vecchiato, Antonello Viola. (Dal 24 ottobre figureranno in mostra anche le fotografie di Giorgio de Finis "Space Metropoliz_Ritratti prima della partenza", fino al 23 ottobre al Macro Testaccio nell'ambito di FotoGrafia Festival Internazionale di Roma).

In occasione del vernissage, giovedì 13 ottobre alle ore 17.30 in sala:
Presentazione del progetto-soggetto Space Metropoliz [spacemetropoliz.com] un film documentario e un progetto d'arte pubblica ideato da Fabrizio Boni e Giorgio de Finis.

Gli autori hanno ideato un vero e proprio "cantiere cinematografico" per dare voce a una comunità multietnica di centocinquanta persone (italiani, sud americani, nord africani e rom rumeni) che dal 2009 vive l'ex-salumificio Fiorucci sulla via Prenestina, oggi ribattezzata Metropoliz.

Interverranno:
Fabrizio Boni, antropologo e filmmaker
Giorgio de Finis, antropologo e filmmaker
Francesco Careri, docente di Arte Civica presso la Facoltà di Architettura di Roma Tre
Cesare Pietroiusti, artista
Elio Girlanda, critico cinematografico e docente di Teoria e tecnica degli audiovisivi presso il Dipartimento di Comunicazione e Ricerca Sociale di Sapienza Università di Roma

A seguire:
l'intervento di Alessandro Poli (Superstudio) TERRA-LUNA ANDATA E RITORNO. DALL'ARCHITETTURA INTERPLANETARIA ALL'ARCHITETTURA AUTOSUFFICIENTE

E la testimonianza di Umberto Guidoni, astronauta.

Coordina: Luca Montuori

Al termine lo spettacolo di musica e immagini Uni>verse a cura di Carlo Alfano

2011-10-11T11:52:00.004+02:00

Presentazione del volume

“Carla Accardi.

La vita delle forme”

di Germano Celant

edito da
SilvanaEditoriale
e Zerynthia

11 Ottobre 2011 ore 18.00

MACRO - Museo d’Arte Contemporanea Roma

Sala Conferenze - ala storica, Via Nizza, 138 Roma

Intervengono

Germano Celant
Alessandra Mammì
Bartolomeo Pietromarchi
Stefano Chiodi

La ricerca artistica di Carla Accardi sempre tesa al cambiamento si impone con forza vitale e rigeneratrice: “Nel mio lavoro ci sono stati cambiamenti radicali, veri traumi. Potrei dire che è stato un mio impegno, quello di dar vita a un’opera mutevole ma che potesse essere percepita come un tutto” (C.Accardi). L’esaltazione del rapporto tra segno, forma e colore pone il lavoro dell’artista tra i più complessi e stimolanti del panorama contemporaneo italiano.
Questa nuova monografia assume un’importanza rilevante per una completa visione del lavoro di Carla Accardi, infatti il volume ricco di immagini delle opere dal 1996 al 2010 raccoglie anche opere che, dal 1946 al 1995, non erano state inserite nel volume “Carla Accardi” edito nel 1996 da Charta e Zerynthia. Una selezione di lavori fino al 1995 e l’apparato completo di quelli dal 1996 al 2010 conclude la pubblicazione.

La presentazione del volume “Carla Accardi. La vita delle forme” è un evento in collaborazione con RAM radioartemobile

2011-10-04T16:12:00.002+02:00

VII EDIZIONE DELLA
GIORNATA DEL
CONTEMPORANEO

Il tesoro nascosto

di H. H LIM

Galleria nazionale d’arte moderna

Sabato 8 Ottobre 2011 ore 11.00
(8 - 23 ottobre 2011)

a cura di Angelandreina Rorro
-

In occasione della VII Giornata del Contemporaneo sarà esposta alla Galleria Nazionale d’arte moderna l’installazione Il tesoro nascosto di H. H LIM. L’origine della complessa formazioneartistica e culturale dell'artista - che è nato in Malaysia e si è formato all’accademia delle Belle Arti di Roma - si articola tra Oriente e Occidente. Da più di venti anni vive e lavora a Roma. Ha partecipato a numerose mostre internazionali, sia in gallerie private sia in Musei.

L’opera esposta alla Galleria nazionale d’arte moderna è uno dei progetti recenti e principali dell’artista e rappresenta un’enorme gabbia in metallo, con una panchina inserita per metà all’interno della gabbia e per l’altra metà all’esterno. L’interno della gabbia presenta una valigia con una catena e tanti lucchetti. L’intenzione è di porre lo spettatore di fronte a un bivio tra due tesori nascosti. La metà esterna della panchina mostra l’aspetto più importante: l’idea della semplice offerta al pubblico di riposare ed osservare le opere collocate sulle pareti del museo. Come afferma Lim “ Il Tesoro nascosto è anche il pretesto per inventare una caccia al tesoro nel museo. L’ installazione è composta da vari Tesori nascosti che si scoprono come in una scatola magica. Un tesoro potrebbe essere il pubblico che si siede su una panchina, realizzata da me, mentre osserva intorno a sé tutti i capolavori della collezione del museo. Ci sono sicuramente altri tesori nascosti da scoprire. Per me il tesoro più bello è la nascita di un’idea.”

Una pubblicazione con intervista della curatrice e fotografie, che testimoniano i lavori dall’inizio sino alla realizzazione finale, accompagnerà la visione dell’installazione. Il progetto è stato realizzato insieme al collaboratore tecnico Sauro.

Il concetto di resistenza e di sfida al tempo, d'immortalità del pensiero, del rapporto tra arte e vita, insieme alla questione della distanza tra mente e corpo sono le problematiche fondamentali di tutte le performance di H. H. LIM. L’intento delle sue opere è infatti quello di indagare il fragile conflitto che si viene a creare nella mente umana e la induce a negare l’autentica realtà conducendola in una realtà immaginaria.
Informazioni tecniche

Galleria nazionale d’arte moderna e contemporanea

Viale delle Belle Arti 131, Roma

info tel. +39 06 32298221

www.gnam.beniculturali.it

2011-10-03T14:24:00.005+02:00

Guendalina Salini

DOVE COMINCIA
IL LONTANO
-
a cura di
Silvia Litardi
-
un'opera per
SPACE METROPOLIZ
progetto di Fabrizio Boni
e Giorgio de Finis
-
inaugurazione domenica
2 Ottobre 2011, ore 11.00
fino all’8 Ottobre 2011

Domenica 2 Ottobre 2011 dalle ore 11.00, il Metropoliz (via Prenestina, 913) apre le porte per inaugurare “Dove comincia il lontano” installazione site-specific di Guendalina Salini a cura di Silvia Litardi, inserita nel
“Circuito 2011 | FotoGrafia Festival Internazionale di Roma”.
L’opera è stata ideata e realizzata nell’ambito del progetto artistico e filmico “Space Metropoliz” di Fabrizio Boni e Giorgio de Finis.Dove comincia il lontano muove dal ritratto come dato iniziale, ma apre il tempo di sedimentazione dell’immagine ad un incontro domestico tra l’artista e le donne della comunità multietnica del Metropoliz, l’ex-salumificio Fiorucci alle porte di Roma. L’invito a preparare il pane e l’attesa che lieviti scandiscono il passaggio tra lo scatto e l’oggetto finale:
si dilata uno spazio/tempo capace di accogliere e dare sostanza ad un’autorappresentazione nella quale convergono, esorcizzate, le molte “distanze” con cui viene percepita la comunità stessa. I racconti e le storie snocciolate in una cucina allargata si depositano in una grande installazione, come i mille volti della luna,… per un po’. Dopo gli interventi di Cesare Pietroiusti, Francesco Careri, Gian Maria Tosatti, Francesco Sylos Labini, Cobol Pongide, Giangiacomo Gandolfi, Carmelo Colangelo, solo per citarne alcuni, Guendalina Salini, con la collaborazione fotografica di Roberta Vassallo, viene invitata mentre il “cantiere cinematografico” si anima per la costruzione condivisa del Big Rocket, il grande razzo capace di portare i metropoliziani sulla Luna aprendo la strada all’era delle migrazioni “esoplanetarie”: quando la Luna sarà la nuova “Ammerica”, il centro di oggi sarà periferia e le distanze finalmente
siderali!

SPACE METROPOLIZ

È un film documentario e un progetto d’arte pubblica ideato da Fabrizio Boni e Giorgio de Finis. Gli autori hanno pensato ad un vero e proprio “cantiere cinematografico” per dare voce a una comunità multietnica di centocinquanta persone (italiani, sud americani, nord africani e rom rumeni) che dal 2009 vive l’ex-salumificio Fiorucci sulla via Prenestina, oggi ribattezzata Metropoliz. La trama, che si ispira a Voyage dans la Lune di Méliès e a Miracolo a Milano di De Sica, si sviluppa intorno alla
costruzione del grande missile–scenografia grazie al quale sarà possibile partire per la Luna: il più vasto spazio pubblico presente nel sistema gravitazionale terrestre e unico luogo dove immaginare insieme nuove modalità dell’abitare e del vivere comunitario.
Il back stage coincide così con il film stesso e la costruzione del razzo non è altro che il cavallo di Troia per entrare e conoscere a fondo le storie di migranti che hanno deciso di lottare insieme per il diritto all’abitazione e per una città diversa, solidale, multiculturale e autogestita, passando per il racconto di sogni troppo spesso soffocati dalle necessità del vivere e dall’urgenza dei bisogni quotidiani.
Per alimentare la condivisione del processo creativo, alla base del progetto, e in stretta collaborazione con Progetto Pidgin City [DIPSU] Facoltà di Architettura – Università di Roma Tre, da maggio ha preso il via il primo ciclo di seminari e laboratori con artisti, architetti, scienziati, musicisti, filosofi; settembre è iniziato con il secondo ciclo e l’attivazione delle collaborazioni instaurate con Istituzioni e Fondazioni.

-
www.spacemetropoliz.com

Metropoliz via Prenestina, 913 – Roma
inaugurazione domenica 2 Ottobre 2011, ore 11.00
L’installazione sarà visibile fino all’8 Ottobre*
*per la visita si consigliano scarpe robuste
*per le visite successive al giorno dell’inaugurazione è gradita prenotazione: spacemetropoliz@gmail.com

2011-09-19T15:43:00.008+02:00

RAM radioartemobile

CAMERE XVI

La Terza Tigre

ROSSELLA BISCOTTI
MARK MANDERS
OLAF NICOLAI

a cura di

LORENZO BENEDETTI

RAM radioartemobile
Via Conte Verde 15 - Roma

Inaugurazione
19 Settembre 2011 ore 19.00

fino al 18 Novembre 2011

da martedì a sabato dalle 16.30
alle 19.30 e su appuntamento

L’identità, lo spazio, lo straniamento e la memoria. Si scivola e nella caduta si trova l’equilibrio nella 16a edizione di Camere. Anche questa volta gli ambienti di RAM si fanno testimoni di una dimensione del tutto speciale in cui si innestano le opere degli artisti invitati.

Mark Manders presenta Clay Figure with Iron Chair. Una scultura, solo apparentemente d’argilla, si sdraia su una sedia. Il linguaggio di Manders, volto alla creazione di elementi disturbanti e destabilizzanti, suggerisce l’impressione di essere testimoni di un qualcosa di congelato in quel preciso momento. I giornali che coprono la finestra sono una creazione dell’artista (Window with Fake Newspapers, fogli di quotidiani composti da una combinazione non-sense di parole inglesi) non fanno altro che accentuare la volontà di non voler dare nessun riferimento temporale.

Olaf Nicolai in questa mostra propone Camera (After Poussin). Il suo lavoro è da sempre incentrato sui meccanismi del processo artistico ed estetico, coniugando l’arte, la memoria e la ricerca con l’analisi e la rivisitazione di scene di vita quotidiana e la trasformazione dei beni di consumo. Sviluppando una vasta serie di progetti interdisciplinari, difficilmente si riesce a inquadrare la sua produzione in una categoria precisa, ma l’interesse per ciò che l’arte vuole esprimere e il media con cui si vuole farlo è alla base della sua ricerca.
La terza camera dello spazio romano si diffonde di una forte luce gialla proveniente dalla proiezione del video Yellow Film di Rossella Biscotti. Con il lavoro sul recupero della memoria storica, cerca nelle parole di pazienti della fine degli anni ‘80, sotto l’effetto del Pentotal, potente barbiturico, frammenti di un vissuto in via di sparizione. L’artista insegue ciò che è caduto nell’oblio, infiltrandosi nelle crepe. Lo recupera e lo trasforma. Per non dimenticare.
Durante l'inaugurazione la poetessa Marije Langelaar leggerà una selezione di poesie in un dialogo ben chiaro con le opere di Manders: un filo diretto tra un’identità nascosta nella scultura di quest’ultimo e un’identità rivelata nelle paroledi Langelaar.
Il testo critico della mostra La Terza Tigre è di Lorenzo Benedetti, Direttore della Stichting Beeldende Kunst Middelburg De Vleeshal di Middelburg (NL).

Rossella Biscotti è nata nel 1978 a Molfetta (BA). Vive e lavora ad Amsterdam.
Mark Manders è nato nel 1968 a Volkel in Olanda. Vive e lavora a Ronse in Belgio.
Olaf Nicolai è nato nel 1962 ad Halle an der Saale in Germania. Vive e lavora a Berlino
Marije Langelaar è nata nel 1978 a Goes in Olanda. Vive e lavora a Ronse in Belgio.

La Terza Tigre cercando una definizione di cosa sia lo spazio espositivo si potrebbe dire che è un luogo in cui si compie una traduzione, un confine in cui il visitatore può passare da una dimensione ad un'altra. Una linea che separa il reale da un numero illimitato di altri mondi, o di altre prospettive sul mondo. Una definizione che un luogo come Camere può evidenziare attraverso la tipologia semplice e preziosa dei suoi ambienti. Con i loro affreschi e i pavimenti decorati, la vista su un ottocentesco viale romano, le mostre in questo luogo sono testimoni di una prospettiva di quell'equilibrio speciale che si trova all'interno dell'arte. Le opere e il luogo danno la possibilità di creare un dialogo diretto tra il visitatore e l'artista. Nella prima sala c'è una figura sdraiata su una sedia, ha le sembianze di essere una scultura appena realizzata in argilla, un'opera di Mark Manders dal titolo "Clay Figure with Iron Chair". I giornali alla finestra accentuano l'impressione di essere all'interno di una fase di realizzazione della scultura. Ma l'apparenza inganna, nelle opere dell'artista olandese c'è un'evasione da qualsiasi dimensione temporale che potrebbe connotare di un riferimento storico l'opera. La scultura nasconde la sua identità in una sua fisicità che non vuole mostrare un segno del tempo. La sua esistenza si trova in quella mitologia di una storia intima, personale che l'artista cerca di conferire all'opera. Olaf Nicolai usa un esercizio concettuale nel trasformare elementi del quotidiano e della nostra cultura presente e passata in un idioma estetico ed artistico che permette permanenti nuove forme di esperienza del reale. Nelle opere esposte nella mostra ci si trova di fronte ad uno straniamento del materiale. A prima vista infatti sembra di vedere degli acquerelli, che l'artista ha realizzato con il proprio respiro, invece sono delle riproduzioni fotografiche di esse. In un rapporto con l'originale viene dato dal fatto che in questo caso ci troviamo di fronte ad una alterazione della realtà portando la stessa immagine su due formati diversi. Una proiezione mostra diversi tipi di giallo, come audio si sentono le registrazioni di sedute terapeutiche a base di Pentotal realizzate nei Paesi Bassi verso la fine degli anni ottanta. Rossella Biscotti riprende tali esperimenti in modo da poter ripercorrere delle tracce della memoria scomparse legate a situazioni storiche e sociali. In "Yellow Film" Biscotti ripercorre la relazione tra la memoria collettiva e l’inconscio personale.

Lorenzo Benedetti

Si ringraziano :

Ambasciata del Regno dei Paesi Bassi a Roma

Accademia Tedesca Roma-Villa Massimo

Galleria EIGEN+ART di Berlino

ZENO X GALLERY di Anversa (B)

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www.radioartemobile.it

2011-09-16T16:52:00.003+02:00

Hear me out

a cura di
Cecilia Casorati e
Claudio Libero Pisano

CIAC – Centro Internazionale per
l’Arte Contemporanea
Castello Colonna – Genazzano (RM)

18 settembre – 6 novembre
inaugurazione sabato
17 settembre 2011, ore 18.00

Gabriele De Santis, Cleo Fariselli, Silvia Giambrone, Kristaps Gulbis, Donatella Landi, Eva Marisaldi, Jacopo Mazzonelli, Sandro Mele, Liliana Moro, Florian Neufeldt, Giancarlo Neri, Annie Ratti, Michele Am Russo, Donatella Spaziani, Cesare Viel, Spazio Visivo.

Il CIAC Museum apre la programmazione autunnale con Hear Me Out, collettiva curata da Cecilia Casorati e Claudio Libero Pisano. La mostra vede coinvolti 16 artisti in una riflessione sul suono: Hear Me Out è un progetto sulla capacità dell’elemento sonoro di alterare lo spazio senza sfiorarlo, di costruire immagini dal niente; ma è soprattutto una mostra sull’ascolto e, dunque, sulla relazione privata che viene a stabilirsi tra l’opera e lo spettatore. Ascoltami bene dunque è il richiamo silenzioso (ma da un punto di vista solo visivo), che lo spazio vuole lanciare allo spettatore, sottraendogli per un momento la vista come strumento percettivo onnicomprensivo.
Ascoltare una mostra vuol dire lasciare temporaneamente da parte la coazione a guardare e aprirsi a una modalità percettiva più profonda che dà valore al senso più che all’idea.
L’imperativo del titolo trova un riscontro puntuale negli ambienti e nell’architettura del Castello Colonna: sfiorati e riqualificati dal rapporto con le onde sonore. Non tutte le opere presentate si offrono infatti all’ ascolto in modo diretto, ma costante nel progetto espositivo è la capacità interrogativa suscitata anche dalla sola idea di suono. Una sollecitazione che può far appello ora all’orecchio, ora a una catena di associazioni mentali oppure al movimento fisico.
Nel corso della serata inaugurale Cesare Viel realizzerà la performance, Lost in meditation.
La mostra, patrocinata dal Comune di Genazzano, è accompagnata dal catalogo di Livello4 Editrice, che sarà presentato nel corso di un secondo appuntamento.
Nella stessa serata di sabato 17 settembre è prevista la performance musicale Colata Band!, che l’artista Valerio Ricci Montani ha progettato in collaborazione con la Banda Musicale Comunale di Genazzano, diretta dal maestro Enrico Silvestri. In questo lavoro l’organico bandistico eseguirà il proprio tradizionale repertorio all’interno della Colata Room, spazio utilizzato anticamente per la cenere del bucato e oggi destinato ad interventi site-specific di arte contemporanea. La stanza sarà chiusa da un cancello in ferro realizzato per questa occasione che, pur impedendo il passaggio, ne consente la vista al suo interno. I musicisti suoneranno serrati nell’ambiente ristretto della Colata, separati dall’esterno grazie al limite di una “quarta parete” che suggerisce una dialettica dentro – fuori, interiore – esteriore.

CIAC – Centro Internazionale per l’Arte Contemporanea
Castello Colonna
P.zza San Nicola 4, 00030 Genazzano, Rm – tel. 3383039299

2011-09-14T20:57:00.011+02:00

Jüdische Museum Berlin

HEImAT KUNdE

30 Künstler
blicken auf
Deutschland
16. 9. 2011 – 29. 1. 2012

Donnerstag,
15. September 2011
um 19 Uhr

Azra Akšamija / Nevin Aladað / Maria Thereza Alves / Candice Breitz /Paul Brody / Andrea Büttner / Arnold Dreyblatt / Ronen Eidelman / Lilli Engel & Raffael Rheinsberg/ Eldar Farber / ÖzlemGünyol / Emily Hass / Victor Kégli / Yuri Leiderman / Via Lewandowsky &Durs Grünbein / Boris Mikhailov / Maziar Moradi / Anny Öztürk &/Sibel Öztürk / Benyamin Reich / Julian Rosefeldt / Miguel Rothschild / Misha Shenbrot / Alexej Tchernyi / Clemens von Wedemeyer / Micha Ullman / Maya Zack

Maria Thereza Alves
What is the Color of a German Rose? (2005)

Blumen, Obst und Gemüse werden in diesem Film von Maria Thereza Alves dem Betrachter vorgeführt, um anschließend zu verraten, wo die vertrauten und weniger vertrauten Pflanzen wie Kartoffeln, Artischocken, Mohrrüben, Orangen ursprünglich heimisch waren.
»Unter anderem die Mongolei, Tibet oder der Maghreb werden genannt – eine mannigfaltige Palette ferner Länder, aus denen sich das vertraute und daher als ›heimisch‹ empfundene Angebot eines jeden deutschen Supermarktes zusammensetzt. [...] Das Video kommentiert symbolisch das gesellschaftliche Miteinander und sensiblisisiert für die Schönheit in der Wechselwirkung und Vielfalt. Diese Symbolik kulminiert am Ende des Films in einem sinnlichen Stillleben aus allen zuvor präsentierten Obst-, Gemüse und Pflanzenarten in einer überbordenden Fülle und Pracht.« (Aus dem Katalog zur »Heimatkunde«-Ausstellung)
Außerdem wird in der »Heimatkunde«-Ausstellung die Installation »Wake« gezeigt, das Alves im Jahr 2000 während eines damals vorübergehenden Aufenthalts in Berlin konzipiert hat. Die Künstlerin hat auf Baustellen Erdproben gesammelt, ihnen Samen entnommen und die ursprüngliche Herkunft der Pflanzen ermittelt sowie Möglichkeiten überlegt, wie diese in den Berliner Boden gelangt sein könnten. Die Pflanzen, die aus den Samen entstehen, ergeben ein lebendes Kunstwerk, das sich auch im Laufe der Ausstellung verändern wird.
Die 1960 in São Paulo geborene Künstlerin lebt und arbeitet in Rom und Berlin. Link zur Website der Galerie:
www.michelrein.com

Lindenstraße 9 – 14, 10969 Berlin
Tel. 030 – 25993 300
Fax 030 – 25993 409
www.jmberlin.de/heimatkunde

F ü h r u n g e n
d u rc h d i e Au sst e l lu n g
sonntags um 14 Uhr
sowie nach Vereinbarung unter
Tel. 030 – 25993 305 oder
fuehrungen@jmberlin.de

Ö ff n u n g s z e i t e n
täglich 10 bis 20 Uhr
montags bis 22 Uhr
V e r k e h r sv e r b i n d u n g
U1, U6 Hallesches Tor
U6 Kochstraße
Bus M29, M41, 248

---
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2011-09-11T00:24:00.008+02:00

La SF Art Working presenta

ConcentrAzione

Video di H.H.Lim

Macro La Pelanda - Ex Mattatoio
Roma - 13/09/2011
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Martedì 13 settembre, nel contesto della mostra “Unicità d’Italia”, che si svolge negli spazi del Macro La Pelanda – Ex Mattatoio a Roma e in contemporanea alla proiezione del film di Mario Martone dal titolo “Come credevamo”, presentato alla 67° Mostra del Cinema di Venezia, la SfArtWorking di Simona Cresci e Federica Romano ha invitato l’artista H.H.Lim. Dalle 21:00 fino alle 24:00 saranno proiettati i suoi video dal titolo “ConcentrAzione”, già presentati da RAM (Radioartemobile) alla Fiera MiArt di Milano, con un testo di Angelo Capasso. Con l’obiettivo di arrivare allo Scacco Matto, Lim si “concentra” con l’artista Yang Jiechang. Con movimenti lenti e attenti, propri del gioco degli Scacchi, i due protagonisti, contestualmente interpreti e storicamente figure di spicco della cultura artistica Cinese in Europa, indirizzano lo spettatore alla concentrazione e contemporaneamente alla riflessione sull’incontro e scontro delle due culture. Riflessione questa, dettata dalla costante ricerca di H.H. Lim, che si basa sulla comunicazione di messaggi forti e su una relazione costante fra immagini, parole e performance.

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2011-09-07T19:08:00.037+02:00

RAM LIVE
podcasts
september / october 2011
-
JANNIS KOUNELLIS and VITALIJ PATSUKOV - A conversation between Jannis Kounellis and Vitalij Patsukov on the occasion of the exhibition "Jannis Kounellis” at Red October for the Moscow Special Guest program of the 4th Moscow Biennale of Contemporary Art
(Rome - october 2011)

DOWNLOAD / LISTEN
-

RAM radioartemobile CAMERE XVI THE THIRD TIGER - conversations with Lorenzo Benedetti, Rossella Biscotti, Mark Manders, Olaf Nicolai and Roger Willems / Mariije Langelaar and Gaia Riposati: Poetry Reading / Rossella Biscotti - Yellow Movie / Interview with Olaf Nicolai (Rome - september 2011)

DOWNLOAD / LISTEN
-

MICHELANGELO PISTOLETTO and GIANNA NANNINI at SERPENTINE GALLERY - London / recorded Friday 2nd September 2011

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(mirror 1)

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(mirror 2)

RAM radioartemobile / CAMERE #15 ARTSOUND - conversations with Vitalij Patsukov and Vladimir Tarasov. Interviews with Vladimir Tarasov, Vadim Zakharov and Leonid Tishkov
(Rome - June 2011)

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RAM radioartemobile / CAMERE #14 LIBER AMICORUM - Interviews with Joseph Kosuth and Ettore Spalletti (Rome - February 2011)

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RAM radioartemobile / ROMAN OPALKA - Interview by Riccardo Giagni
(Rome - 2006)

DOWNLOAD / LISTEN
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RAM radioartemobile / CORRADO BOLOGNA - Interview by Ilari Valbonesi
(Rome - 2008)

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2011-09-05T17:58:00.009+02:00

Seminal Film presenta
PASTA NERA
un film documentario di Alessandro Piva

68 Mostra del Cinema di Venezia
sezione Controcampo Italiano

Proiezione ufficiale
Martedì 6 settembre - ore 15:00
Sala Grande del Palazzo del Cinema
Lido di Venezia
-
in concomitanza a Roma, presso il
Teatro Valle Occupato
Martedì 6 settembre - ore 21:30

introduce la proiezione Miriam Mafai

La storia

Tra il 1946 e il 1952 più di 70.000 bambini del Sud più svantaggiato furono ospitati temporaneamente da famiglie del Centro-Nord. Quei bambini presero in quegli anni il primo treno della loro vita, per lasciarsi alle spalle la povertà e le macerie del dopoguerra e vivere un’esperienza che non avrebbero mai più dimenticato. Pasta Nera riporta alla luce uno dei migliori esempi di solidarietà e spirito unitario nella storia del nostro Paese. L'ingresso al Teatro Valle è gratuito fino a esaurimento posti, apprezzata la sottoscrizione a sostegno dell'iniziativa degli artisti e dei lavoratori dello spettacolo.

Seminal Film - mail info@seminalfilm.com
tel 06 45435620 - mobile 393 9822729.

www.piva.it
www.facebook.com/pivalessandro

30/08/2011

2011-08-30T19:35:00.025+02:00

PARK NIGHTS
-
MICHELANGELO PISTOLETTO
and
GIANNA NANNINI
-
Friday 2 September 2011 at 8 pm
SERPENTINE GALLERY
London

On the occasion of his solo exhibition at the Serpentine Gallery, Michelangelo Pistoletto will present a manifesto detailing how his work on time, everyday life, form and the abstract is grounded in his ongoing study of ethics. Pistoletto will also be in conversation with the Serpentine Gallery directors, Julia Peyton-Jones and Hans Ulrich Obrist, with a finale performance by the acclaimed Italian singer Gianna Nannini.

Serpentine Gallery
Kensington Gardens
London W2 3XA T 020 7402 6075 F 020 7402 4103
information@serpentinegallery.org
-
www.giannanannini.com

2011-08-23T18:55:00.013+02:00

A Vettor Pisani
Elogio del Nostos
-

Vettor Pisani uno dei nomi più importanti dell’arte degli ultimi cinquant’anni. Ha scritto una delle pagine più belle dell’arte italiana ed internazionale. Ricordiamo di lui, le sette edizioni della Biennale di Venezia e la partecipazione a Documenta 5 a Kassel. Nel numero 73 di Exibart ha rilasciato una lunga intervista sulle sue Biennali e il suo rifiuto di partecipare all’ultima Biennale di Venezia. E’ autore di una trilogia di romanzi, “German Love Sinfonietta”, “Edipo Borderline. Antigone, la discarica di Edipo”, “L’ano lunare di Lou Salomé”. Tutti con una introduzione di Angelo Capasso che qui ne descrive un breve ricordo personale.

Tra la quantità di notizie che confabulano sul web (con biografie sbagliate, dettagli di cronaca incorretti e scorretti, foto e video trafugati), è l’ascendenza nel solco dell’architettura il dato che più verosimilmente s’addice a Vettor Pisani. L’architettura del pensiero che s’incarna nell’immagine e trova contiguità nella vita quotidiana. Così come il "Lutto s’addice ad Elettra”, dove l’architettura del grande poeta del teatro Eugene O’Neill, rivela i contrasti tra il femminile e il maschile e Agamennone, Clitennestra, Oreste e Lavinia consumano sul palco il loro canto tragico. Ma quel malinteso del teatro greco che chiamiamo tragedia male s’adatta alla dipartita di Vettor Pisani. Non c’è tragedia, qui, nessun canto disperato, ma la scelta libera di un Architetto che col compasso ha calcolato giorno per giorno la distanza tra il Sé e l’Infinito, tra il dubbio (declinato con un se minore) e la Verità, tra il quotidiano e quella distanza cui l’Artista non vuole sottrarsi, l’Eterno. E’ tutto quindi un falso, un "Vero falso d’Autore”, (per dirla con Vettor Pisani) o meglio una "verità fatta di mille menzogne” (ancora Vettor), il mormorio di voci di sciacalli che con lo sguardo appannato destinato a vedere solo orrore continuano a fare la ronda come pipistrelli sui dettagli. Non compaiono le Erinni, ma il canto dell’usignolo di John Keats, come grande canto d’amore. L’amore per la vita e per l’arte, e quell’aporia di fondo tra le due con cui si produce il solco che le congiunge e le separa, giorno dopo giorno, generando la distanza che si misura solo col salto. Così lo era, ed era tangibile nelle immagini (per quanto le immagini si possano toccare), in quelle figure costruite su continui salti nella storia, tra gli Eroi del passato lontano e quelli del passato più recente, in quel Pantheon di amici, assurti dalla storia e dal presente, fantasmi in carne ed ossa con i quali, parimenti, si può avere una dialogo privato. Così come insegni tu, Vettor Pisani. Nulla quindi è lasciato al caso. Se non a quel grande Architetto, il Caso, che decide semplicemente il momento migliore. Il "caso fa le cose fatte bene”, dice Duchamp, o meglio, fa "le cose fatte ad arte” ed è una regola aurea cui è impossibile sottrarsi per un uomo che ha centellinato ogni azione nell’arte, misurandola non con la furbizia e il cinismo calcolatore, ma con la genialità del fiuto e la generosità di concedersi al mondo che ha sempre fatto traboccare ogni gesto, per portare a vera consunzione l’atto generatore che in questo si nasconde. E qui, la chiave della grandezza di Vettor Pisani. Qui, dove compare la schiera di divinità della storia della cultura su cui si basa il confronto, l’arte, la poesia, il teatro, la psicoanalisi, la comicità: Oscar Wilde, Karl Krauss, George Bataille, Klossowski, Weininger, Dalì, Duchamp, Leonardo, Böcklin, Freud, Strindberg, Druié, D’Annunzio, Malaparte, Arcimboldo, Bernini, Klinger, Bellmer, Beuys, Yves Klein, Madonna, Francis Bacon, Gino De Dominicis (…). Tutte icone dell’etere su cui misurare la capacità di dialogo, perché il dialogo è possibile solo oltre il presente. Tutte aperture verso il mondo, con cui ridere, o deridersi, perché "soltanto i noiosi si prendono sul serio”. La Storia, Vettor Pisani l’ha scritta con le mostre. A partire dalla sua prima a La Salita, Maschile, femminile e androgino. Incesto e cannibalismo in Marcel Duchamp (1970), dove la carne era già in putrefazione, fino all’ultima, ancora in corso alla Fondazione Morra, come un segno rimasto in bilico tra la vita e la morte, Apocalypse Now dove si riattualizza (o si rivela) il codice segreto del disegno della sua Grande Opera. Per chi sa vedere, tutto si ricompone. Già dal titolo, tra il presente dello spunto cinematografico e l’horror vacui immanente, cui Pisani ha aggiunto una sua opera pre-istorica, ovvero del tempo precedente agli esordi romani romane: Agnus Dei 1967, con riferimento a quella prima iniziazione, il Battesimo, cui l’Artista ortodosso della religione dell’arte si consacra e concilia con se stesso, col proprio lavoro, e con quel grande progetto inarrestabile, sempre soggetto a modificazioni, cui soltanto la sua dipartita riesce a dare un termine. Di qui, ogni mostra è un laboratorio in atto, un atto di fede infinita, come la sua totale devozione all’Arte. Al suo mistero, alla sua appartenenza ad una società segreta fatta di singoli, e di solitudini, misurate con l’incommensurabilità del Cosmo. E il senso di sfinimento fisico che ogni volta giunge ad una certezza innominabile: l’arte (è) salva. Raggiunta ogni certezza, così come dimostrano i segni (che son da prendere "per miracoli”, come sostiene il fabbro TS Eliot), l’unico modo per rimetterla in discussione è partire per un viaggio nuovo, con gli occhi trasparenti e puri, con il coraggio di un Titano che non ha mai cercato sconti. Dovevamo incontrarci oggi, secondo uno di quei tanti appuntamenti presi per telefono, appoggiati al caso, sempre da confermare. Ma quel grande appuntamento, che chiamavamo "uscire dal mondo”, come in un libro di Elemire Zolla, s’è fatto impellente, e la mano dell’Architetto ha preso il timone del condottiero che ha fiutato il vento giusto per la via del Ritorno. Sulle vie del Nostos, come sanno fare i migliori Eroi Greci. Come Ulisse, su cui costruimmo, con Beppe Morra, la grande mostra ad Ischia, patria natia ed elettiva. Il ritorno sull’onda più lunga in cui hai navigato era nella consapevolezza che il passaggio più stretto passa per Nekya, l’uscio di quella porta nera chiusa ermeticamente dietro lo studio doveva finalmente dischiudersi. "Sono sempre gli altri a morire”, è scritto sull’epitaffio di Marcel Duchamp. "Sono solo gli altri a morire”, hai voluto correggere tu, lasciando me e gli altri amici a chiederci: "Cosa c’entra la morte?” Nulla. Così come avevamo architettato, esiste solo il Nulla, al quale avevamo dedicato un Museo da inaugurare con l’aristocratico benestare di tutti i "cittadini defunti del Cimitero Acattolico”. Il Cimitero degli Inglesi, l’altra patria elettiva. Lì dove ha sede monumentale la poesia di Keats e Shelley. Oggi, avremmo potuto ridere anche di questo. Oltre che di quelle mille menzogne che non fanno una verità e si ricorrono sui giornali, aggiunte a quelle della Città Eterna solo a parole che non ti ha regalato nulla, ed hai deciso di volteggiare dall’alto, posto sul confine "borderline” dell’apolide, cittadino del mondo, in un angolo di terra dove respira l’Eterno: tra le divinità egizie, i gatti che si pongono come sfingi sotto la Piramide e il Pantheon degli Eletti. E le pizzerie di Testaccio. L’appuntamento era li, caro Vettor, artista del mistero e dell’Eurasia, per un rituale rosacrociano col vino rosso a festeggiare l’arte. E avremmo riso anche di questo.

angelo capasso

La Famiglia e gli amici di Vettor Pisani nel dare notizia della scomparsa dell'artista si riservano di comunicare, non appena sarà definita, la data della cerimonia commemorativa.
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La mostra "Vettor Pisani - Apocalypse Now" alla Fondazione Morra, Palazzo Bagnara, Piazza Dante 89, Napoli - prosegue fino al 5 novembre 2011

RAM LIVE trasmette A VETTOR PISANI : Gaia Riposati legge "A Vettor Pisani - Elogio del Nostos" di Angelo Capasso (23/08/2011) / Vettor Pisani - "La natura è la belva di Dio" - Osservatorio Cosmico (tra Arte e Scienza) - Roma, Istituto Superiore di Sanità (Roma, Italy 17/04/2007) / EDITO- INEDITO Achille Bonito Oliva - Vettor Pisani (Paliano, Italy 23/07/2002) / Vettor Pisani "Lady Madonna", Roma, Volume! Gallery (Roma, Italy 28/02/2006) Mimma Pisani, Italo Tomassoni - conducted by Angelo Capasso / New Year'S Eve - interventions in order of appearance: Jannis Kounellis, Fabio Mauri, Mimma Pisani, Vettor Pisani, Mario Merz, Luca Maria Patella, Emilio Prini (Capalbio, Italy 31/12/2002)

2011-08-06T04:57:00.014+02:00

RAM LIVE
summer mix
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playlist schedule
6-8-2011 / 23-8-2011

// SAM Archive: Stephan Froleyks // Achille Bonito Oliva e le Stelle di Mario Schifano. Intervista di Ilari Valbonesi (2009) - Playlist: Le Stelle di Mario Schifano (1967) // Alvin Curran - Canti Illuminati (1982) // Gianfranco Baruchello - L'artista si racconta nel suo studio romano con Dora Stiefelmeier e Luca Vitiello (2011) Intervista con Gianfranco Baruchello di Matteo Giacomelli (2004) // Carlo Crivelli - Appunti di Viaggio (2009) - RaiNettunoSat1 presenta: L'italia che pensa - Carlo Crivelli (2010) // SAM Archive: Rolf Julius - Music For A Garden (1996) // Carlo Quartucci e Carla Tatò - Erste Liebe (1992) // Interview with Felipe Dulzaides by Luca Vitiello (RAM radioartemobile - 12/07/11) // Luca Vitone - Der Unbestimmte Ort (1994) // Generation Z - Moscow Polytechnic Museum. Generation Z is an exhibition of audio, visual, textual and documentation material, dedicated to the lost and forgotten history of the Soviet experimental and electronic music. Playlist: Arseni Avraamov // Corrado Bologna - Flatus vocis. Metafisica e antropologia della voce. Intervista di Ilari Valbonesi (2008) // Selezione world music a cura di Riccardo Giagni - INDIA (2009) // Staalplaat Soundsystem - 'Musica povera al dente' or fluxYOU – Auditorium parco della musica di Roma - (2010) // RAM radioartemobile - Camere #14: Liber Amicorum - Interviste con Joseph Kosuth, Ettore Spalletti e Dora Stiefelmeier (2011) // David Cunningham live at Grrr Jamming Squeak (2011) GRRR JAMMING SQUEAK is a public art work by Paola Pivi // Intervista con Mario Merz di Antonio Trimani (2002) // Gianna Nannini - Emilio Prini: Fotocopiami La Voce! Contributi di Lorenzo Benedetti, Getulio Alviani, Nicola Bramante, Alberto Mugnaini, Arnoldo Mosca Mondadori, Angela Vettese e Luca Vitone. (2009) // RaiNettunoSat1 presenta: L'italia che pensa - Riccardo Giagni (2010) // Selezione di world music a cura di Riccardo Giagni - ARMENIA // RaiNettunoSat1 presenta: L'italia che pensa - Valentino Zeichen (2010) // RAM radioartemobile - Camere #15: Artsound - Conversazione con Vitalij Patsukov, Vladimir Tarasov, Dora Stiefelmeier e Mario Pieroni. Interviste con Vladimir Tarasov, Vadim Zakharov and Leonid Tishkov di Luca Vitiello (2011) // Selezione musicale a cura di Paolo Aita (2009) // Intevista con Rirkrit Tiravanija di Antonia Alampi (2011) // Intervista con Mat Collishaw di Antonia Alampi (2011)

for any further information
please contact us at live@radioartemobile.it

2011-07-29T19:29:00.001+02:00

GIANFRANCO
BARUCHELLO
"D.A.F. Marchese De Sade/Una Lettera"
Edicola Notte - dall' 8 luglio 2011
vicolo dei Cinque, 23 - Roma

Edicola Notte inaugura venerdì 8 luglio 2011 l'opera “D.A.F. MARCHESE DE SADE/UNA LETTERA” di Gianfranco Baruchello. Nell’opera, realizzata appositamente per lo spazio della galleria, l’artista racconta la storia di uno scrittore che ha sacrificato la vita alla realizzazione di un’opera letteraria sull'efferata sessualità, in cui l’immensa crudeltà del racconto, la totale libertà immaginativa e la ricerca di un estrema libertà d’espressione , sono spinti fino all’ eccesso. L'opera consiste di alcuni elementi allusivi all’atto dello scrivere in solitudine installati in un ambiente dal quale Sade sarebbe potuto essere appena uscito, spogliandosi però di un abito che suggerisce memorie di sopraffazione e potere. Baruchello trasforma lo spazio di Edicola Notte in una stanza della memoria, che contiene, come in una scatola magica, molteplici significati.
Da Pierre Klossowski, a Georges Bataille, a Jacques Lacan sono molti i pensatori che hanno scritto sia a favore che contro il Marchese de Sade. Nell'opera presentata in Edicola Notte, Baruchello ha scelto Sade, monumento e icona della perversione, della crudeltà e dell’eccesso per ricordarne aspetti meno conosciuti. L'artista dice: "C’è sempre un’altra storia, meno- monumentale anzi anti-monumentale di cui sappiamo poco o nulla. Per descrivere aspetti marginali, meno noti alla storia e alla cronaca, avrei potuto scegliere qualsiasi personaggio ma ho scelto Sade."

Edicola Notte
vicolo dei Cinque, 23 - Roma

2011-07-20T16:17:00.002+02:00

CAMERE XV
Artsound

VLADIMIR TARASOV
LEONID TISHKOV
VADIM ZAKHAROV

curated by
VITALIJ PATSUKOV
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opening June 28 2011 H 19:00
until July 29 2011
RAM radioartemobile - Via Conte Verde 15 - ROME
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For the fifteenth edition of Camere – Artsound – the spaces at RAM are transformed into an apartment in Moscow, one of those communal apartments saturated by things and sounds, the dimensions of which disciplined by voices, compressing and expanding, flowing together into empty or dense spaces. The Artsound project lays the image bare and manipulates sound, each conserving their natural connection casually within an open space. Three are the artists invited, all representatives of the new Russian integrated culture: Vladimir Tarasov, Leonid Tishkov and Vadim Zakharov. The art of Vladimir Tarasov, legendary jazz drummer, is a sort of adhesive which inserts and assembles all the possible phenomena of contemporary culture. The studies of Leonid Tishkov are aimed at daily events that repeat throughout a man’s life: starting with ordinary objective reality, he transforms it into magic and ritual. The work of Vadim Zakharov combines creative and reflective principals, extricating itself with ease through the use of objects, installations, video productions and performance. Simultaneously, at the Auditorium Arte in the Parco della Musica, the Musica per Roma Foundation presents works relative to the Soviet avant-garde (Progetto Generazione Z) and to the N.Y.Group (Nadya&Yuriy), as well as works by the artists Vladimir Tarasov and Vadim Zakharov.
The exhibition at the Auditorium will open on June 28th at 19.00 and will remain open until July 13th.

In collaboration with:
Ministry of Culture of the Russian Federation
The National Centre for Contemporary Arts (NCCA)
Musica per Roma Foundation - Auditorium Parco della Musica
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opening June 28 2011 H 19:00
until July 29 2011
RAM radioartemobile - Via Conte Verde 15 - ROME

2011-07-12T21:30:00.014+02:00

TUTTI INSIEME SULLA LUNA!
con SPACE METROPOLIZ
e PROGETTO PIDGIN CITY (DIPSU)
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Mercoledì 13 luglio ore 18.00 METROPOLIZ, Via Prenestina 913 - Roma
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Carmelo Colangelo
"La Filosofia dei
viaggi spaziali"

http://www.spacemetropoliz.tumblr.com

2011-06-21T15:54:00.009+02:00

PARLAMENTO CULTURALE
MEDITERRANEO

23 giugno 2011 - MAXXI - Roma
ore 16.00
incontro aperto al pubblico
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Evento organizzato in collaborazione con Love Difference – Movimento Artistico per una Politica Intermediterranea, Cittadellarte–Fondazione Pistoletto, RAM radioartemobile, Maxxi -Dipartimento Educazione

Un incontro aperto al pubblico del Parlamento Culturale Mediterraneo è in programma il 23 giugno 2011 (ore 16.00-18.00) intorno al Tavolo Mediterraneo nella mostra dedicata a Cittadellarte al MAXXI di Roma.

A seguito dell’incontro di presentazione dello scorso 19 aprile a Roma e della sessione internazionale tenutasi a Marsiglia il 10 e 11 maggio sul tema “Mobilitazione e mobilità”, si riuniscono intorno al Tavolo Love Difference presso lo spazio espositivo dedicato a Cittadellarte all’interno della mostra su Michelangelo Pistoletto, rappresentanti del mondo dell’arte, della cultura e della politica.
Partecipano all’incontro i membri del Parlamento Culturale e gli ospiti invitati ad aderire all’iniziativa, portare idee e contributi al progetto.
Particolare attenzione verrà dedicata ai processi di evoluzione civile e politica del nord Africa, attraverso la partecipazione dell’associazione egiziana Gudran for Art and Development di Alessandria d’Egitto e il gruppo El Teatro di Tunisi, rappresentanti attivi della rivoluzione mediterranea in corso, da anni promotori di trasformazione sociale ponendo la cultura e l’arte alla base del cambiamento.
Per l’occasione verrà proiettato il video dell’artista Maria Rosa Jijon sul Parlamento Culturale Mediterraneo realizzato a Marsiglia.

Obiettivi di quest’incontro saranno:

accogliere le proposte sviluppate dai partecipanti dell'incontro del 19 aprile
condivisione e sviluppo delle riflessioni e dell’agenda di Marsiglia, in particolare presentando i prossimi passaggi del PCM in Egitto e presso alcune città future Capitali Europee della Cultura
condivisione del documento elaborato a Marsiglia sul ruolo della cultura nei processi di trasformazione politica e sociale
predisporre i passi necessari per la sempre maggior partecipazione e la più ampia affermazione del Parlamento Culturale Mediterraneo.

L'incontro sarà trasmesso in differita alle ore 22.00 il 23 giugno 2011

2011-06-16T19:50:00.015+02:00

GERT ROBIJNS
ON -
23.06.11-11.09.11
M - Museum Leuven

Gert Robijns’ playful installations and surreal interventions focus the viewer’s attention on aspects of perception and intuition. Though he is inspired by everyday situations, he depicts them in ways that call our immediate environment into question.

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His recent sculptures treat concepts such as order-disruption, activity-inactivity, above-below and positive-negative. The exhibition brings together new and older works.

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TO THE POINT...

10 things you want to know about Gert Robijns

WHO? Gert Robijns was educated at Sint-Lukas Brussels University College of Art and Design and at Jan van Eyck Academy in Maastricht. He was ‘artist in residence’ at PS1 in New York and at Künstlerhaus Bethanien in Berlin. Since 2001, he has taught at the KASK in Gent. Robijns’ work has been shown at various national and international exhibitions.
ON-? The title of the exhibition is simply ‘On-‘. ‘On-’ is a prefix that can be placed in front of an enormous number of Dutch words. It signifies a negation. The addition of ‘on-‘ changes the meaning of a word entirely. Logical becomes illogical, interesting becomes uninteresting, sense becomes nonsense. The reversal of meaning is highly characteristic of Robijns’ oeuvre. He applies it to the objects he uses in his installations.
INSTALLATIONS & ENVIRONMENTS Gert Robijns’ works can best be described as installations. They are sculptures that occupy the space. It is insufficient to stand still to see an entire installation. One must move around to absorb the whole work. If an installation takes up a large portion of the space, it may also be called an ‘environment’. In contrast to admiring a painting, the visitor must necessarily be active. One must look at an installation from various sides. It is thus necessary that you roam around the space. The artist also expects you to be active when you look at his work. If you do not, you might miss some of things there are to see.
ROWS AND SERIES As you have undoubtedly noticed, Robijns often exhibits his objects in rows or series. He thereby challenges you to discover the relationship between the objects and to decipher twin concepts. One almost starts looking for the interrelations between the objects unconsciously. Which twin concepts do you recognise? Above vs. below? Sender vs. receiver? Empty vs. full? Negative vs. positive? Which additional twin concepts can you create? Or do the objects have anything else in common? Their colour, for example? Their form? Or their function?
HORIZON(TAL) The result of placing objects in series is that they create a line. This line is often horizontal. In order to describe constructions like this, we use the term linear composition. This line in Robijns’ work obviously refers to the horizon, but also to conveyor belts, for example.
TILTING Robijns tilts his objects, moves them, turns them over, destabilises them. The objects become unbalanced. They show you a side that you would not normally see. A side you are not accustomed to. It forces you to look at the objects literally from a different angle.
EVERYDAY The objects Robijns uses in his installations come from nature or are everyday items. In the art world, they are referred to as Objets Trouvés [found objects]: they are ordinary, banal, everyday, inconspicuous objects that give one the impression that they were ‘simply’ found.
ALIENATING Robijns places the everyday objects in a totally different and unexpected context. They are juxtaposed in rows of objects with which they have no connection in daily life. The objects thus lose the meaning and the function by which you would otherwise recognise them. This has a very alienating effect.
Because the object has lost its actual function, you might now focus your attention on very different characteristics. Such as the colour or the form. You look at the objects through different eyes.
COLOUR White, black and shades of grey are the ‘colours’ that recur most often in Robijns’ work. As a result, the tones he does use here and there are especially noticeable. The yellow of a canary, the green of a cucumber or the blue of a bin bag draw extra attention.
THE VILLAGE If you visit Limburg, you must be sure to visit Robijns’ installation ‘The Village’ in Sint-Truiden, where the artist has built a scale copy of his native village Gotem. The project is an expression of his nostalgia for his own youth, but it is also a tribute to his grandfather.

M - Museum Leuven
Leopold Vanderkelenstraat 28, B - 3000 Leuven - BE
www.mleuven.be

2011-06-14T14:36:00.006+02:00

VETTOR PISANI

APOCALYPSE NOW

LAMPEDUSA, CIMITERO LIQUIDO DEI MORTI VIVENTI DEL NORD AFRICA (SUD SAHARA)

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Palazzo Bagnara, p.zza Dante 89 - NAPOLI
vernissage 14 giugno ore 19.00

dal lunedi al venerdi ore 10.00 / 13.00 - 16.00 / 20.00 fino al 14 settembre 2011

Vettor Pisani eclettico pittore, architetto e commediografo ischitano, torna a Napoli con un’esposizione curata dalla Fondazione Morra nella suggestiva sede di Palazzo Ruffo di Bagnara, edificio nobiliare costruito tra il 1629 e il 1631, per volontà di Giovan Battista De Angelis,acquistato dal duca Francesco di Bagnara e restaurato nel 1660 dall’architetto Carlo Fontana, allievo del Bernini.
La ricerca artistica di Pisani si snoda in istallazioni, performance, azioni nel tempo e nello spazio, nell’orizzonte di citazioni, metafore e suggestioni. La sua prima mostra "Maschile, femminile e androgino. Incesto e cannibalismo in Marcel Duchamp" (1970) che si tenne alla Galleria La Salita (Roma), inaugura una produzione artistica ricca di riferimenti alla storia dell’arte, alla mitologia e alle simbologie dei Rosacroce e della Massoneria, pur con uno sguardo rivolto all’attualità. Così il mito di Edipo si carica di significati esoterici, evoca il tema del regressum in utero, e quello del labirinto, analogia del reale. Capolavori dell’arte rivivono, destrutturati, trasfigurati, rivelando nuovi contenuti, in un teatro comico-didattico con continui richiami a simbologie alchemico-massoniche.
L’Isola dei Morti di Böcklin resta il caposaldo dell’immaginario simbolista che ha dettato gran parte dei capolavori di Pisani, ma il suo spirito inquieto, nelle sue passeggiate trasversali nella storia dell’arte, si congiunge idealmente anche e soprattutto con l’opera di Duchamp, Klein e Beuys. La sua arte vuole fornire una chiave di lettura del presente, dell’attualità, dell’Occidente, fondata sull’esperienza critica del passato, un passato fagocitato, digerito, trasfigurato e assimilato al punto da creare immagini nuove specchio della complessità del quotidiano, con un linguaggio che si ispira a quanto di irreale e di irrazionale c'è nei sogni.
Le sue installazioni sono pervase da un forte carattere misterico e da uno spiccato senso della teatralità, capace di volgere lo sguardo verso orizzonti che riflettono la complessità contemporanea per le modalità operative, per la flessibilità multimediale e per la libertà d’azione che sa mettere in campo nel suo operare artistico.

2011-06-07T18:11:00.008+02:00

H.H. LIM
Hidden Treasures
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TANG CONTEMPORARY
ART BANGKOK
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June 9th - July 9th, 2011

H.H. Lim presents works linked to an ancient fable from his childhood: "A man named Zhang had saved his money. Thinking to be intelligent, he dug a hole in the ground, where he buried his savings. Returning home, and having second thoughts, he decided to go back to the site and leave a note saying 'The money is not buried here'.

The doubt that underlies our security is the central theme of this cycle of works which have two points of view: one clearly visible and a second that is imagined and contradictory to the original message.

The central work is an installation featuring a large cage containing a suitcase, chained and fastened by several locks. There is a long bench that exits the cage, offering a seat to the viewer. The super-protected suitcase invokes curiosity, becoming a strong temptation and canceling the value of the outside world. The remaining works are all self-portraits of the artist, and whose texts recount the message of the fable.

Tang Contemporary Art - Bangkok
Unit B-28 (Basement), Silom Galleria
919/1 Silom Road (Soi 19), Bangkok 10500 Thailand

2011-06-04T15:22:00.004+02:00

RADIOPHONIC CREATION DAY JOURNEE DE LA CREATION RADIOPHONIQUE
4TH JUNE 2011 / 4 JUIN 2011

http://www.shakerattleroll.org/

International Radiophonic Creation Day is a biennal event honouring radio creation on its widest sense : soundscape, Hörspiel, radio drama, experimental music, various sounds etc…
La Journée Internationale de la Création Radiophonique est une biennale mettant à l'honneur la création radiophonique au sens large : paysages sonores, Hörspiels, fictions, musiques expérimentales, ovnis sonores etc….

A struggling art form / Un genre en lutte

The inevitable change to digital radio is soon to come to Europe. This will eventually endanger a great number of local and community stations. And yet, it is thanks to these deliberate initiatives that sparks of sound creation still live. All of these works, made for the radio, are what's called radiophonic creation.
For the second edition of this event, the association JEL selected works of radio artists from all over the world and build up a 24h programming specifically made up of radiophonic creations. This will be aired on June 4th 2011 simultaneously on numerous FM radio stations and web radios around the world (see below).
This festival not only gives the chance to get an insight of what radiophonic creation sounds like today, but also to reach a wider audience of non-insiders. It is thus a way of making people aware of the cultural richness that these radio stations can bring to today's radiophonic landscape.
Le moment inévitable du passage à la radio numérique en Europe approche. Ce passage au numérique va mettre en péril bon nombre de radios associatives et radio locales (catégories A et B). Or, c'est aussi au sein de ces initiatives volontaires que naissent ces étincelles de créations sonores inventées pour la radio que l'on nomme : création radiophonique. L'association JEL, pour la deuxième édition de ce festival, a selectionné des pièces d'artistes de radio venant de tous pays, pour constituer une programmation de 24h consacrée uniquement à la création radiophonique. Cette programmation sera diffusée simultanément le 4 juin 2011, de minuit à minuit, sur de nombreuses radios FM et web radios dans le monde (voir liste si dessous). Ce festival est non seulement un moyen de donner à entendre un aperçu de cette scène de la création radiophonique contemporaine internationale, mais aussi de sensibiliser à cet art un public plus large que le public d'initiés qu'il engendre habituellement. Ainsi rendre comte de la richesse culturelle que ces radios peuvent apporter au paysage radiophonique contemporain.

Where can I listen to the RCD the 4th of june ? / Où écouter la JCR le 4 juin prochain ?
ON THE WAVES
Radio Campus Paris : 93.9FM / Paris (fr) / www.radiocampusparis.org
Radio Campus Renne : 88.4FM / Rennes (fr) / www.radiocampusrennes.fr
Radio Campus Toulouse : 94.0FM / Toulouse (fr) / www.campusfm.fr
Radio Campus Bordeaux : 88.1FM / Bordeaux (fr) / www.bordeaux.radio-campus.org
Radio Campus Bruxelles : 92.1FM / Brussels (bel) / www.radiocampusbruxelles.org
Radio Campus Tours : 99.5FM / Tours (fr) / www.radiocampustours.com
TEA FM : 98.9FM / Zaragoza (esp) / www.teafm.net
Resonance FM : 104.4FM / Londres (uk) / http://resonancefm.com
WGXC : 90.7FM / Greene - Columbia (usa) / www.wgxc.org
CFRC : 101.9FM / Kingston (can) / http://cfrc.ca
JetFM : 91.2FM / Nantes (fr) / www.jetfm.asso.fr
Kanal 103 : 103FM / Skopje (macedonia) / www.kanal103.com.mk
Eko des Guarrigues : 88.5FM / Montpellier (fr) / www.ekodesgarrigues.com
Radio HDR : 99.1FM / Rouen (fr) / www.radiohdr.com
Radio Panik : 105.4FM / Brussels (bel) / www.radiopanik.org
Radio Cona : 88.8FM / LJubljana (slovenia) / http://radiocona.wordpress.com
Soundart Radio : 102.5FM / Totnes (uk) / www.soundartradio.org.uk
Radio Grenouille : 88.8FM / Marseilles (fr) / http://www.radiogrenouille.com
Radio Libertaire : 89.4FM / Paris (fr) / http://rl.federation-anarchiste.org
Radio Saint Ferréol : 92.2FM / Crest (fr) / www.radiosaintfe.com
Radio Prévert : 105.9FM / Chalon sur Saône (fr) / http://f1rzv.free.fr/prevert
Radio PFM : 99.9FM / Arras (fr) / www.radiopfm.com
Pite FM : 92.8 FM / Norrbotten (sweden) / http://www.pitefm.se
Student FM : 92.9 FM / Skopje (macedonia) / http://0.mk/SFM

ON THE WEB
RAM LIVE : Roma (it) / http://live.radioartemobile.it
KKWNE : Paris (fr) / http://stream.cannibalcaniche.com
Radio Zero : Lisbon (pt) / www.radiozero.pt
Radiolab : Brasilia (bresil) / www.radiolab.net.br
Radio 108 : Bourges (fr) / http://sansfuites.free.fr
Radio 404 : Brunoy (fr) / http://erreur404.org
MetaminaFNR : Madrid (esp) / http://metaminafnr.hotglue.me
SRc : Stockholm (Sw) / http://sverigesradio.se/src
Radio Papesse : Sienne (It) : www.radiopapesse.org
Radio 1001 : Paris (fr) / www.radio1001.org
N0R73.L4B : Mexico (mx) / www.miguelmonroy.com.mx
Popsonics Radio : Paris (fr) / www.poptronics.fr
Radiophonic Creation Day : Paris (fr) / www.shakerattleroll.org

HERE AND THERE
Roma Art Fair : Roma - Venice (it) / www.romaradioartfair.it
Gallery Musentube : Berlin (all) / http://www.musenstube.de
Desert Numérique : Saint-Nazaire-le-Désert (fr) / http://desertnumerique.incident.net
Life House : Lagos (Nigeria) / http://www.thelifehouselagos.com
CCA Lagos - Centre for Contemporary Arts : Lagos (nigeria) / http://ccalagos.org
Galeria Vermelho : Sao Paulo (brasil) / http://www.galeriavermelho.com.br
DakarLug : Dakar (sénégal) / http://blog.dakarlug.org
Jardin d'alice : Paris (fr) / http://jardindalice.wordpress.com

2011-05-29T17:00:00.007+02:00

Donazione dei volumi
collana “Le Arti”

Biblioteca Ambrosiana

Piazza Pio XI, 2 20123 Milano
30 maggio ore 12.00

In occasione della donazione dei quattro volumi della collana “Le Arti” editi da Arnoldo Mosca Mondadori e Ram radioartemobile alla prestigiosa Biblioteca Ambrosiana di Milano, gli editori propongono il progetto come metodo di diffusione della cultura italiana nel mondo.
Interverranno il Prof. Giuliano Urbani, Coordinatore dell’anno Italia-Russia, Monsignor Franco Buzzi, Prefetto della Biblioteca Ambrosiana, Arnoldo Mosca Mondadori, Editore e Presidente del Conservatorio di Musica Giuseppe Verdi di Milano e Mario Pieroni, Presidente di RAM radioartemobile, oltre a personalità del mondo della cultura, dell’arte e della musica.
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Ogni libro della collana “Le Arti” fa incontrare, intorno a un tema condiviso, un compositore, uno scrittore e un artista visivo.
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Armonie: Carla Accardi, Riccardo Giagni, Valentino Zeichen
Drammaturgie: Carlo Crivelli, Jannis Kounellis, Giuseppe Ungaretti
Il Terzo Paradiso: Gianna Nannini, Ermanno Olmi, Michelangelo Pistoletto
Scarti su Carta: Getulio Alviani, Paolo Maurensig, Ennio Morricone

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Gli autori dei libri, grandi esponenti della intelligentia italiana che rappresentano la pittura, la musica e la letteratura, sono intervenuti nei loro volumi rendendoli, quindi, esemplari unici. I volumi sono realizzati attraverso tecniche di produzione che si richiamano alla grande tradizione dei libri d’artista.
Il richiamo alla tradizione è sottolineato dagli interventi a mano che gli autori hanno lasciato sui loro manoscritti, e si sposa armonicamente con l’utilizzo delle nuove tecnologie (siti web, pen drive per ascoltare musica).
Gli editori hanno già definito, entro l’anno 2011, successive donazioni alla Biblioteca Statale di Letterature Straniere di Mosca, M.I.Rudomino e a La Bibliothèque Nationale de France.

2011-05-21T23:35:00.011+02:00

GENERATION_Z
Moscow Polytechnic Museum

Generation Z is an exhibition of audio, visual, textual and documentation material, dedicated to the lost and forgotten history of the Soviet experimental and electronic music. It revolves around the archives of Andrey Smirnov and the Theremin Center of the Moscow State Conservatory, Russian State Documentary Film & Photo Archive, the Museum of Musical Culture, named after Mikhail Glinka. The exhibition has been developed as a part of an ongoing project of the same name by Andrey Smirnov and Lubov Pchelkina that is attempting to restore the history and culture of the artistic Utopia of the 1910s and 1920s.
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It is difficult to name another period in Russian history in which the creative energy of so many people was developed to such a high level, leading to innumerable new inventions and artistic concepts. This intense period of activity fostered a self-organizing horizontal network of professional and social interrelations that offered a promising basis for future scientific and cultural development. It was a period that in many respects was cut off in its prime through its collision with the totalitarian state of the 1930s. The title of the exhibition takes its name from the letter Z, which is in many ways emblematic of the period. Z is for zigzag, the spark; it is the symbol of energy, of radio transmissions and communications, of electrical charges and of lightning.
Generation Z offers an introduction to some of the key figures of the period and their areas of research. It is a story that is still relatively unknown in the West and is only now beginning to come to light in Russia itself. Many of the featured documents, sound and footage has not previously been made available in the West and tantalizingly offers just a taste of the material from the period that remains to be explored. Fortunately by a miracle many documents considered lost have survived as well as over one hour of graphical soundtracks produced with the Variophone which were recently discovered The main section of the Generation Z exhibition is titled the Graphical (Drawn) Sound. It is a unique technology of synthesizing sound from light which was invented in Soviet Russia in 1929 as a consequence of the newly invented sound-on-film technology. This section contains not only documents, but also unique artificial soundtracks, created in 1930-s by Arseny Avraamov, Evgeny Sholpo, Nikolai Voinov, Boris Yankovsky.
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The first time the exhibition under the title „Sound in Z“ was held in Paris at the Museum of Modern Art Palais De Tokyo in the framework of the exhibition of the British winner of the Turner Prize - Jeremy Deller, under the title «From One Revolution To Another» during the period 25.09.08 - 22.01.09. The exhibition was produced by Andrey Smirnov with the participation of curators Matthew Price and Christina Steinbrecher, with support by Nikolai Izvolov, Lev Bolotsky, Marina Sholpo.
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Andrei Smirnov is an interdisciplinary artist, composer, independent researcher, developer of
electronic music techniques, author, curator, and educator. He is a founding director and Senior
Lecturer of the Theremin Center for Electroacoustic Music at Moscow State Conservatory, where he
teaches courses on history and aesthetics of electroacoustic music, sound design and composition,
new musical interfaces and sensor technology, introductory digital audio signal processing, and
sound synthesis.

more informations at

http://asmir.info/genz_e.htm

2011-05-11T18:00:00.008+02:00

ITALIAN ART TO
BE LISTENED TO

2011, May 17 – June 5

NCCA - National Centre for Contemporary Arts

Opening on May 16 7.00 pm

NCCA, Exhibition Hall

As part of Russia - Italy year 2011

Organizers: RAM radioartemobile, Zerynthia Association for Contemporary Art, Found «New Art» Moscow, Italian Culture Institute in Moscow.

Curator: Anna Cestelli Guidi

Mario Airò, Massimo Bartolini, Riccardo Benassi, Bianco-Valente, canecapovolto, Alberto Garutti, Donatella Landi, Martux_M, Liliana Moro, Cesare Pietroiusti, Alfredo Pirri, Vettor Pisani, Michelangelo Pistoletto, Emilio Prini, Annie Ratti, Donatella Spaziani, Alberto Tadiello, ZimmerFrei

The project ITALIAN ART TO BE LISTENED TO aims to put in evidence the presence of sound through the last three generations of Italian artists.
Sound it’s a totally new matter, less obvious and striking than the visual aspects, but much more experimental and thus exciting.
Sound will be explored from different points of view, both from artists coming from the visual arts as from artists coming from the world of sound, thus demonstrating its inherent and essential characteristic of exploding the traditional boundaries between artistic disciplines.
Sound pieces of Italian artists from different generations and backgrounds will be “put on stage”: eighteen amplifiers, each for every audio work, will be dislocated in the big exhibition space of NCCA inviting the audience to a sort of “promenade” created by
a game of rebounding in which, as a theatrical action, three generations of Italian artists confront themselves and dialogue through very different audio works, ultimately building a totally new sound composition made of words, voice, music, noise…
The exhibition will realize so a new experiment in the visual and the sound arts, introducing a new concept for the art of exhibition.
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ROUND TABLE AT NCCA
Small hall
16/05/2011 - 5.00 PM

Visualization of Sound

Irina Gorlova, Anna Cestelli Guidi, Alfredo Pirri, Andrey Smirnov, Leonid Tishkov

Intervengono Leonid Bazhanov, Mario Pieroni

L’evento sarà trasmesso in differita da RAM LIVE
la radio web di RAM radioartemobile http://live.radioartemobile.it

This event will be broadcast on RAM LIVE
webradio of RAM radioartemobile http://live.radioartemobile.it

NCCA - National Centre for Contemporary Arts
Zoologuicheskaya ul, 13, str.2
123242 Moscow, Russia
www.ncca.ru

RAM radioartemobile
Via Conte Verde n.15 – Roma, Italia
t. +39 06 44704249
www.radioartemobile.it
info@radioartemobile.it
web radio: http://live.radioartemobile.it

Istituto Italiano di Cultura a Mosca.
107078 Mosca, Malyj Kozlovskij per., 4
tel. segreteria (495) 916 54 92
fax: (495) 916 52 68
iicmosca@esteri.it

2011-05-03T00:23:00.006+02:00

RAM radioartemobile
a

ROMA
The Road to Contemporary Art

presenta dal

5 Maggio 2011- 8 Maggio 2011

MARIA THEREZA ALVES
JIMMIE DURHAM
BRUNA ESPOSITO

PAD.1-STAND 6

MACRO Testaccio

Vernissage 5 Maggio ore 19

http://www.romacontemporary.it/

2011-04-29T15:56:00.006+02:00

FLUXUS BIENNIAL 2010-2011
730 giorni hic et nunc
a cura di Achille Bonito Oliva
IV fluxus
GIUSEPPE CHIARI

Dal 29 aprile al 12 giugno 2011
Il progetto FLUXUS BIENNIAL, curato da Achille Bonito Oliva per l’Auditorium, è strutturato in una serie di “piccole grandi mostre” di alcuni protagonisti di Fluxus. Attorno a ogni appuntamento espositivo è abbinato un calendario di concerti e performance, storiche e contemporanee, che coinvolgono artisti ai quali viene chiesta una rilettura di quello spirito di immediatezza e di relazione/interazione con l’individuo alla base della filosofia e dell’estetica “intermedia” Fluxus. Dopo George Maciunas, George Brecht, Wolf Vostell e Nam June Paik sarà la volta di Giuseppe Chiari.

La mostra, allestita in AuditoriumArte, si inaugurerà il 29 aprile e resterà aperta al pubblico fino al 12 giugno. Dopo l’inaugurazione della mostra il 29 aprile, alle ore 21 in Teatro Studio, si terrà la performance live di Alvin Curran "Chiari ossia dj Beppe meets King Kong da Beethoven". La serata è uno degli eventi di Afterfluxus, il ciclo di performance e spettacoli organizzati in occasione delle mostre fluxus.
La mostra di Giuseppe Chiari ideata per lo spazio espositivo dell'Auditorium Parco della Musica nasce dalla considerazione che nella sua attività artistica musica e parola hanno sempre viaggiato su due binari paralleli, spesso incrociandosi e scambiandosi l'una con l'altra. Sostenitore dell'interazione tra musica, linguaggio, gesto e immagine, Chiari ha infatti elaborato azioni concepite come brevi brani che confluiscono, di volta in volta e senza un ordine prestabilito, in complesse pièces musicali, tese a esaltare la libertà espressiva e il concetto di indeterminazione del fare artistico. Chiari ha infatti composto "musica d'azione" basata su un complesso metodo di esecuzione che, accanto agli strumenti tradizionali, assume come componenti essenziali elementi sonori casuali o aleatori (acqua, foglie secche, sassi) che offrono lo spunto per rielaborazioni e azioni che trovano proprio nella casualità e nell'improvvisazione la costante essenza della sua ricerca (Gesti su un piano, 1962; La Strada, 1965; Suonare la città, 1965). La mostra presenta due installazioni che hanno come protagonista due pianoforti, naturalmente manipolato e denaturato dall'intervento dell'artista. Alle pareti un compendio delle note partiture di Chiari, da quelle storiche degli anni Sessanta a quelle più recenti degli anni Ottanta e Novanta. Queste partiture mostrano l'evoluzione del suo lavoro, anche pittorico, in cui i segni delle note o le rappresentazioni grafiche dei gesti da compiere assumono un'evidenza visiva tale da imporsi anche quali immagini autonome, e puri prodotti visuali, fino alle realizzazioni più pittoricamente elaborate della maturità che vedono l'uso del collage unito a segni, scritte e timbrature su pentagrammi e spartiti.
Giuseppe Chiari (1926 – 2007) è uno dei massimi compositori e artisti concettuali italiani del XX secolo. Nato a Firenze, parallelamente agli studi universitari in matematica e in ingegneria, si è dedicato alla musica studiando pianoforte e composizione. Attratto in particolare dalle esperienze di John Cage, Chiari ha cominciato a interessarsi a ricerche sperimentali di musica visiva. Importanti per lo sviluppo artistico di Chiari furono, nei primi anni sessanta, l’incontro con Silvano Bussotti, il confronto con le ricerche di poesia concreta del Gruppo 70 e infine i profondi contatti con gli esponenti newyorkesi del movimento internazionale Fluxus, al quale l’artista aderì partecipando, nel 1962, al Fluxus internationale Festspiele neuester Musik di Wiesbaden in Germania. Dalle prime partiture, Chiari è giunto a sperimentare mezzi espressivi diversi: dai collages a soluzioni pittorico-gestuali elaborate con segni, scritte e timbrature su pentagrammi, spartiti, fotografie, che trovano negli anni Ottanta piena e matura espressione.

After Fluxus
Performance di
Alvin Curran
"Chiari ossia dj Beppe meets King Kong da Beethoven"
Teatro Studio ore 21

Compositore e performer in linea con la tradizione americana di musica sperimentale, Alvin Curran sarà protagonista di un concerto performativo dedicato a Giuseppe Chiari, dal titolo “Chiari ossia dj Beppe meets King Kong da Beethoven”. Pioniere del campionamento elettronico, fondatore nel 1965 a Roma, insieme a Rzweski e Teltebaum, del gruppo Musica Elettronica Viva, Curran è autore di opere-performance poetiche per sintetizzatori, voce, suoni naturali su nastro e oggetti rinvenuti, quali conchiglie, corni, armoniche a bocca, che furono eseguite in tutta Europa e negli Stati Uniti. Per la performance in Auditorium Curran mescolerà liberamente alcune composizioni di Chiari con un live-set elettronico, basato sul suo celebre lavoro TransDadaExpress.

www.auditorium.com
dal lunedì al venerdì dalle 17 alle 21; sabato, domenica e festivi dalle 10 alle 21

P C M. PARLAMENTO CULTURALE MEDITERRANEO

2011-04-19T15:51:00.015+02:00

P C M. PARLAMENTO CULTURALE MEDITERRANEO

19 aprile 2011 alle ore 12.00

presso il MAXXI di Roma, intorno al Tavolo Mediterraneo nella mostra dedicata a Cittadellarte.

Con la partecipazione di:
Vincenzo Antonucci, scienziato, CNR;
Pio Baldi, Presidente della Fondazione MAXXI
Elisabetta Belloni, Direttore Generale per la Cooperazione allo sviluppo del Ministero degli Affari Esteri;
Maurizio Bortolotti, critico d'arte e curatore;
Alessandro Di Loreto, Capo Dipartimento per lo Sviluppo delle Economie
Territoriali - Presidenza del Consiglio dei Ministri
Anna Mattirolo, Direttore MAXXI Arte
Francesco Martone, ambientalista e cofondatore del Parlamento Culturale Mediterraneo;
Alberto Michelini, giornalista, scrittore e Presidente di Fabula in Art;
Gennaro Migliore, coordinatore nazionale di Sinistra Ecologia Libertà;
Paolo Naldini, Amministratore Delegato Cittadellarte-Fondazione Pistoletto;
Roberto Pasca Di Magliano, Professore Ordinario di Economia Politica a La Sapienza di Roma;
Mario Perillo, imprenditore, associazione Genti in Viaggio;
Michelangelo Pistoletto, artista e fondatore del Parlamento Culturale Mediterraneo;
Angelo Riva, coordinatore CRAMS, associazione Genti in Viaggio;
Vittorio Silvestrini, Presidente di Città della Scienza;
Dora Stiefelmeier, Fondatrice di RAM radioartemobile;
Stefania Vannini, Responsabile Dipartimento Educazione MAXXI;
Emanuela Baldi & Filippo Fabbrica, artivisti Love Difference
Il Parlamento Culturale Mediterraneo, é stato fondato a Strasburgo, il 25 giugno 2008, su iniziativa di Michelangelo Pistoletto e Love Difference, in collaborazione con Apollonia.

La presente riunione ha due obbiettivi: I° identificare nuove rilevanti figure culturali e politiche interessate ad aderire al Parlamento Culturale Mediterraneo.
II° proseguire negli intenti prefissati nella Carta, qui di seguito riportata e produrre nuovo impulso
del P. C. M. anche a fronte dei fatti sociali e politici che in questo momento drammatizzano le popolazioni circostanti il Mediterraneo.

Università Telematica Internazionale UNINETTUNO
dedicherà un programma alla tavola rotonda Parlamento Culturale Mediterraneo
su RAI NETTUNO SAT

*primo appuntamento del ciclo Meditare il Mediterraneo una serie d’incontri tra artisti, musicisti, poeti, intellettuali invitati da Mario Pieroni

www.uninettunouniversity.net

2011-04-14T15:01:00.010+02:00

DAVID CUNNINGHAM
@ GRRR JAMMING SQUEAK

Friday 15 April 2011
From 6 to 10pm

COOLSINGEL 63 ROTTERDAM

David Cunningham is a record producer and musician who has worked with with an eclectic range of people and music which has included The Flying Lizards, Palais Schaumburg and Michael Nyman amongst many others. His installation works in art galleries magnify the sound of a room, a music delineated by the architectural characteristics of the space and modulated by the transient nature of people passing through. David Cunningham will play guitar live with a selection of animal sounds. The guitar is treated through a delay system which allows notes played to recycle infinitely, overlapping in different rhythms. Chronological rather than metronome time.

The intention is to create a parallel structure alongside the aural ecologies taher than simply an exotic decoration. All the guitar sounds are originated live in the performance, the only pre-recorded material will be Grrr Jamming Squeak multispecies sound library.

GRRR JAMMING SQUEAK
-
Something new is happening in Rotterdam and i's a world premiere
GRRR JAMMING SQUEAK is opening for a whole year. What is it? it's a fully equipped music recording studio, attended by sound engineers.
Available to everyone, for free, to play music along with the sound of animals.
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GRRR JAMMING SQUEAK is a public art work by PAOLA PIVI

www.paolapivi.com

2011-04-06T17:53:00.010+02:00

RAM radioartemobile
MiArt2011

In occasione dell’inaugurazione di MiArt 2011, Fiera Internazionale di Arte Contemporanea di Milano, RAM radioartemobile presenta giovedì 7 aprile alle ore 18:00 all’interno del suo stand
PAD. 3 STAND M07:

Performance

Partita a scacchi

Yang Jiechang e H.H. Lim

Nello stand sarà installato il Pavimento di Carla Accardi che ospiterà la scacchiera. Lo spazio sarà circondato da opere di : getulio alviani – Marco Bagnoli – Bizhan Bassiri – Domenico Bianchi – Alberto Garutti – H.H Lim – Yang Jiechang – Vettor Pisani – Michelangelo Pistoletto – Remo Salvadori.

Testo di Angelo Capasso : ConcentrAzione

Due artisti, una scacchiera, la concentrazione. La partita a scacchi di Yang Jiechang e H.H. Lim attraversa trasversalmente la Storia dell’Arte e congiunge due avanguardie: quella Europea del primo novecento e quella Cinese del secondo millennio. A partire dalla scacchiera che divideva Marcel Duchamp e Man Ray, gli scacchi hanno centrato il disegno del pensiero su un campo di forze diverso: bidimensionale come il quadro, squadrato come questo, ma sostanzialmente interattivo, regolato dal gesto minimo, dalla regola dell’equilibrio, sotteso alla concentrazione necessaria a mantenerlo intatto. La scelta degli scacchi, oggi come allora, ci riporta le qualità di un confronto minimo: il disegno del pensiero che descrive strategie geometriche basate sulla contrapposizione tra il Bianco e il Nero. Conditio sine qua non: la ConcentrAzione. Al presente, quindi, il destino della partita tra H.H. Lim e Yang Jiechang assorbe in sé un ampio portato culturale che congiunge due emisferi, due tradizioni culturali, e presenta l’attualità dell’arte, il protagonismo dell’Arte Cinese dell’ultimo decennio sulla scena dell’arte occidentale, di cui Jiechang e Lim sono indubbiamente due dei protagonisti, appartenendo alla generazione capostipite degli artisti cinesi in Europa. L’obiettivo è di giungere allo scacco al Re, farlo cadere. E’ il Re il vero protagonista, come dimostra l’etimologia stessa della parola “scacco” (proveniente dal provenzale e catalano antico “escac”, a sua volta dal persiano Shah: "Re" forse tramite l'arabo eshâg ovvero el-shâg, "il Re"). Nel gioco, quindi, lo scacco e il Re si identificano, si concentrano: divengono un tutt’uno proprio come l’artista e l’arte. Dietro al linguaggio simbolico dei singoli pezzi, sono i due Re a sfidarsi in una battaglia non cruenta perché mentale, vitale e vivificatrice in quanto capace di produrre nuova energia ad ogni mossa e delineare un disegno aperto che si fonda sull’interazione. Così era alle origini del gioco, nato in India attorno al VI secolo (e giunto in Europa attraverso la cultura araba); così è oggi: il gesto della mano che muove i pezzi dà forma ad un labirinto di possibilità di intrecciare un dialogo mentale attraverso la ConcentrAzione, innalzando, ad ogni passaggio, le vette dell’arte alle cime del sublime, in un equilibrio precario tra pieno-vuoto che, ad un tempo, è stasi e azione mosse nel rischio della sconfitta improvvisa. O, ancor peggio, dell’annullamento dello sforzo reciproco per l’intervento di un terzo incomodo: il Caso (sollecitato da Duchamp), che negli scacchi ha il nome di una posizione sterile inamovibile, lo Stallo. La partita di H.H. Lim e Yang Jiechang quindi riporta il lavoro dell’artista sul binario dell’intensificazione, della mossa meditata, della strategia sul lungo termine, in un territorio fertile dominato dalla ConcentrAzione, nel tempo fuori dal tempo, lì dove permane la sfida del senso e del linguaggio. Angelo Capasso

2011-03-31T16:50:00.014+02:00

LUCA VITONE
Isole recluse. Ottologia della villeggiatura
GALLERIA CESARE MANZO
-
L’artista seguita nella ricerca sull’idea di luogo e sulle modalità di rappresentazione e percezione dello stesso, ripartendo da una sua personale indagine sul monocromo iniziata nel 1988 con l’opera L’Invisibile informa il visibile.
fino al 28 aprile 2011

GALLERIA CESARE MANZO
Vicolo Del Governo Vecchio 8 (00186) - ROMA

2011-03-22T16:30:00.002+01:00

Invito all’opera
presentato da
Achille Bonito Oliva
Giovedì 24 marzo
dalle 18:30

Inaugurazione del nuovo spazio
Il Ponte Contemporanea

con

I never saw a girl smile in Morocco
Urs Luthi

Daily music
H. H. Lim
Presentato con la collaborazione di RAM Radioartemobile

Just sit
Sergio Picciaredda

Giovedì 24 marzo
dalle 18.30
Via Giovanni di Castel Bolognese, 81 - Roma

info@ilpontecontemporanea.com

ALFREDO PIRRI

2011-03-15T18:07:00.005+01:00

IL LICEO GINNASIO STATALE TORQUATO TASSO

IL DIRIGENTE SCOLASTICO PROF.SSA LETIZIA TERRINONI

INVITA

ALLA PRESENTAZIONE DELL' INSTALLAZIONE

BANDIERA PER IL TASSO
DI ALFREDO PIRRI

A CURA DI BARBARA GORETTI

17 MARZO 2011

DALLE PRIME ORE DEL MATTINO

PRESSO LICEO GINNASIO STATALE TORQUATO TASSO VIA SICILIA, 168- 00187 ROMA

IL LICEO GINNASIO STATALE TORQUATO TASSO PRESENTA BANDIERA PER IL TASSO, L' INSTALLAZIONE CHE L' ARTISTA ALFREDO PIRRI HA REALIZZATO APPOSITAMENTE PER L' ISTITUTO IN OCCASIONE DELLE CELEBRAZIONI PER I 150 ANNI DELL' UNITA DI ITALIA E DELL' INIZIATIVA L' ITALIA UNITA A SCUOLA. PROMOSSA DA EDITORI LA TERZA.

BANDIERA PER IL TASSO E' CONCEPITA COME UNA GRANDE TRECCIA DI CIRCA QUINDICI METRI REALIZZATA CON L'UTILIZZO DI CORDONI COLORATI MESCOLATI TRA LORO COME IN UNA CAPIGLIATURA FEMMINILE ATTRAVERSO CUI VIENI RIELABORATO E RESTITUITO IL TRICOLORE ITALIANO. L' OPERA SARA' INSTALLATA SULLA FACCIATA DELL ' EDIFICIO DEL LICEO TASSO.

per informazioni sul programma di laterza visitare il sito www.italiaunitascuola.it/programma/roma

2011-02-28T17:32:00.006+01:00

MICHELANGELO PISTOLETTO
Da Uno a Molti, 1956-1974
(From One to Many, 1956-1974)

MAXXI - 4 marzo 2011 - 15 agosto 2011

in collaborazione con Philadelphia Museum of Art
a cura di Carlos Basualdo

Il MAXXI rafforza la sua vocazione internazionale grazie alla profonda sinergia con il Philadelphia Museum of Art, una tra le maggiori istituzioni museali americane, e porta in America la più importante mostra dedicata a Michelangelo Pistoletto, riconosciuto in Europa come uno dei maggiori artisti viventi e considerato negli Stati Uniti un sensibile anticipatore delle pratiche artistiche di partecipazione contemporanea.
La mostra presenterà oltre 100 lavori, provenienti da collezioni private sia americane che europee.

Riflettendo sul passaggio dai primi ritratti della metà degli anni Cinquanta fino alle azioni collettive dei tardi anni Sessanta e primi Settanta, il pubblico potrà seguire il percorso artistico di Pistoletto, dalla rigorosa indagine sulla rappresentazione di se stesso fino allo sviluppo delle collaborazioni creative che hanno caratterizzato la sua ricerca.
La mostra ospiterà anche una sezione sui Plexiglas, lavori che a partire dal 1964 hanno anticipato il Concettuale, e una sezione sugli Stracci, sculture che, concepite tra la fine degli anni Sessanta e l’inizio dei Settanta, sono testimonianza della ricerca legata all’Arte Povera. Inoltre, una selezione di video e materiali d’archivio documenterà i lavori performativi che l’artista ha prodotto con il gruppo Zoo fra il 1968 e il 1970.

Insieme a una ampia presentazione dei Quadri Specchianti del periodo 1962-1974, parte essenziale del percorso di mostra sarà costituita dagli Oggetti in meno, gruppo di vari oggetti del biennio 1965-1966 dove l’estetica della serialità del Minimalismo è volutamente contestata enfatizzando le differenze fra ogni oggetto e traendo ispirazione in campi differenti come l’artigianato, l’architettura, il design e la cultura popolare.

La mostra ospiterà, infine, uno spazio laboratoriale dedicato a Cittadellarte, progetto che vede l’artista impegnato dal 1998 e che prosegue la sua ricerca di “democratizzazione dell’arte” iniziata negli anni Sessanta. In questa sezione il pubblico, con una modalità fortemente interattiva, avrà la possibilità di conoscere gli ultimi impegni sociali che hanno coinvolto e coinvolgono l’artista, entrando a far parte dell’opera e ritrovando quell’unità ontologica di cui ha fatto esperienza riflettendosi negli “specchi”. A questa sezione sarà legato un ciclo di laboratori, incontri e workshop.

2011-02-24T21:57:00.012+01:00

CAMERE XIV

Liber amicorum

GINO DE DOMINICIS
JOSEPH KOSUTH
ETTORE SPALLETTI

26 febbraio - 29 aprile 2011
RAM radioartemobile

Testo di Bruno Racine

Il Liber amicorum, così come è intitolato il testo di Bruno Racine scritto per la 14a edizione di CAMERE, sembra essere una pagina di natura privata. Si leggono i nomi di Gino De Dominicis, Joseph Kosuth e Ettore Spalletti, artisti della scena internazionale, che pur non provenendo da una comune corrente, fin dagli anni ’70 sono stati legati da una profonda amicizia.

Gino De Dominicis offrirà la sua “muta vicinanza” con una delle sculture, presentate nel 1979 presso la Galleria Pieroni nella mostra (11 Statue) in movimento. La statua in questione prende vita attraverso la messa in posa di un cappello di paglia, sospeso in aria come se levitasse e un paio di babbucce anch’esse di paglia, a sottolineare la leggerezza e la trasparenza di una matericità, che la scultura tradizionale, invece, possiede.

Joseph Kosuth presenterà due opere. La prima, un lavoro su vetro del 2006, è basata sulla costruzione di un paradosso e consiste nella ripetizione di due paragrafi, uno diventando una riflessione sull'altro.

Il secondo lavoro, in neon bianco a luce calda del 2009, è costruito partendo da un frammento del romanzo di James Joyce, Finnegan's Wake.

Ettore Spalletti, nella terza camera, ripropone un’opera del 1979 esposta nella Galleria Pieroni di Roma. Con la Colonna, l’artista esprime un pensiero di circolarità e di smaterializzazione. A circondarla i primi lavori d’impasto di colore su tela dell’artista (1974-1975), totalmente inediti.
Si ringrazia per la collaborazione la Galleria Lia Rumma

2011-02-19T12:51:00.002+01:00

Carla Accardi
Valentino Zeichen
letture e assaggi sonori

domenica 20 febbraio 2011

Museo Carlo Bilotti
all'Aranciera di Villa Borghese - h 11:30

Ad una settimana dalla chiusura della mostra curata da Pier Paolo Pancotto “Carla Accardi. Spazio, ritmo e colore” allestita fino al 27 febbraio 2011 al Museo Carlo Bilotti all'Aranciera di Villa Borghese, un appuntamento speciale dedicato all’amicizia più che ventennale tra lo scrittore e poeta Valentino Zeichen e l’artista Carla Accardi.

Alla base del legame tra i due, una stima reciproca che si è consolidata nel tempo anche grazie alla scelta di Carla Accardi di usare spesso versi del poeta come titoli delle sue opere. Negli anni il rapporto si è arricchito di molte collaborazioni, come in Armonie, volume edito da Arnoldo Mosca Mondadori e RAM radioartemobile per la collana “Le Arti”. L’idea dello speciale libro d’artista è quello di unire personaggi italiani d’eccellenza nelle arti, nella musica e nella letteratura in un prezioso libro realizzato con tecniche artigianali.

Qui il poeta Valentino Zeichen s’interroga sull’armonico legame tra creazione, arte e natura attraverso la metafora dell’Arca di Noè, pittoresco bestiario composto non solo da tutti i grandi esemplari del genere animale, ma anche da “parassiti, microrganismi, insetti, batteri, virus”, quelle meraviglie dell’incredibile che l’arte astratta dei successivi millenni “avrebbe saputo trasfigurare nelle fantasmiche tele del mondo”. Come accade nelle opere di Carla Accardi, “arcade ribelle” come la definisce Zeichen, errabonda esploratrice di cosmiche armonie nascoste nel segno e nel colore, negli spazi insondati del visibile e dell’invisibile.

E infine sono ancora le armonie a condurre il pensiero sonoro del compositore e musicologo Riccardo Giagni. Attraverso testi Tetractys e musiche Talin, l’autore indaga il delicato rapporto dei contrari, dei suoni e delle pause, del tempo verticale e orizzontale, nell’infinito universo musicale.

Per questa speciale occasione, Valentino Zeichen leggerà Come il genio equanime di Noè salvò dall'estinzione gli stili del Naturalismo e dell'Astrattismo, dal volume Armonie e da Villa Borghese (edito dalla Fandango nel 2007).
Il compositore Riccardo Giagni interverrà con la lettura del suo testo Tetractys e assaggi sonori della sua composizione Talin.

Valentino Zeichen è nato a Fiume nel 1938, vive a Roma. Scrittore e poeta, ha pubblicato con le più grandi case editrici italiane.

Riccardo Giagni è nato a Roma nel 1956, dove vive. Le sue collaborazioni spaziano dal campo della musica come produttore, arrangiatore e autore.

Info
domenica 20 febbraio 2011 ore 11.30
Roma, Museo Carlo Bilotti all'Aranciera di Villa Borghese
www.museocarlobilotti.it, www.museiincomune.it, www.zetema.it

2011-02-15T18:02:00.012+01:00

DAN PERJOVSCHI
THE CRISIS IS (NOT) OVER.
DRAWINGS AND DIORAMAS

Sulle grandi pareti della sala Enel la nuova opera dell’artista rumeno Dan Perjovschi: un ironico e pungente affresco contemporaneo che riflette sulle infinite contraddizioni dell’oggi attraverso la libertà del segno e della parola.
Perjovschi sarà il primo artista a lavorare direttamente sulla pelle del nuovo MACRO, mentre i visitatori potranno assistere alla sua creazione “in tempo reale”: attraverso una performance di alcuni giorni (dal 5 al 16 febbraio) e interamente visibile dal pubblico, Perjovschi darà vita a una grande opera satirica, animata da epigrammi e disegni paradossali.

MACRO
MUSEO D'ARTE CONTEMPORANEA ROMA

5 Febbraio - 12 Giugno 2011

2011-01-31T23:58:00.010+01:00

CARLA ACCARDI
SEGNO E TRASPARENZA
Catania, Fondazione Puglisi Cosentino.

Dal 6 febbraio al 12 giugno 2011

La Fondazione che Alfio Puglisi Cosentino ha creato a Palazzo Valle, nel cuore di Catania, propone, dal 6 febbraio al 12 giugno 2011, una grande mostra di Carla Accardi curata da Luca Massimo Barbero.Sarà una mostra assolutamente irrepetibile: l'artista, infatti, ne è doppiamente protagonista: con le sue opere ma anche con una sua personale interpretazione delle architetture e degli spazi dello storico Palazzo, capolavoro del Vaccarini, per i quali ha appositamente realizzato un lavoro che sarà esposto nell'ultima sala e Vie alternative, grande opera permanente in ceramica per il cortile. Una grande mostra-installazione, quindi. Lungo questo percorso attraverso il Palazzo, si intrecceranno e susseguiranno in un ordine ideale i suoi primi lavori sul dialogo tra spazio, segno e colore, sino alle sperimentali superfici trasparenti di sicofoil, su cui dipinge, e alle articolate installazioni di grande dimensione. Carla Accardi (Trapani, 1924) vive e lavora a Roma dal 1946. Ha partecipato al gruppo romano Forma dal 1947 ed è considerata uno tra i protagonisti dell'arte astratta italiana dal secondo dopoguerra: dal 1948 ha partecipato in più occasioni alla Biennale di Venezia. Il suo lavoro si fonda sulla feconda interazione tra segno, superficie, luce e colore, che si dirama in realizzazioni che spaziano dal dipinto all'installazione. Le prime sale della mostra saranno dedicate alle articolazioni di quelli che possono essere definiti i "segni cromatici" della Accardi, che iniziano a proliferare sulle tele dei primi anni Cinquanta in configurazioni libere e distese, per poi assumere alla metà del decennio la caratteristica bicromia del positivo / negativo, che determina la superficie tra bianco e nero. Un intenzionale scarto cronologico, nella medesima sala, mette in relazione questi lavori con l'installazione Casa Labirinto del 1999-2000, opera percorribile in cui il plexiglas è attraversato da segni grigi e neri, proponendo un confronto diretto tra le diramate stagioni espressive di Accardi. Dopo una sala dedicata alla serie delle opere a sviluppo centrico, denominate "tondi" o "cervelli", la mostra concentrerà la propria attenzione sulla strutturazione del segno in griglie e regolarità ritmiche, di cui oggi si può leggere la straordinaria attualità sia cromatica sia linguistica. Anche per queste ragioni, la mostra approfondisce in modo inedito e come mai in precedenza la fisicità del dialogo tra segno e trasparenza nel lavoro di Accardi: si concentra così in particolare sulle opere realizzate su sicofoil, che vanno dai lavori su telaio rettangolare o quadrato, agli accenni installativi dei telai sagomati, alle vere e proprie realizzazioni in chiave ambientale oltre il dipinto. A sottolineare questa tensione ambientale del lavoro di Accardi, l'intero itinerario della mostra è concepito come un percorso nel Palazzo che dialoga con la fisicità stessa delle sue sale, anche attraverso opere recenti e realizzate per l'occasione, come la grande superficie di ceramica concepita per il suo cortile. Il tracciato dell'esposizione sarà inoltre punteggiato da installazioni collocate in relazione con l'architettura e con le opere alle pareti, come ad esempio Rotoli (1965-69), Cilindrocono (1972), Paravento (1972), la serie dei Coni in maiolica (2004), Si dividono invano (2006).

Al piano superiore, la mostra presenta una straordinaria sala dedicata ai grandi dipinti realizzati dall'artista per la sua sala personale alla Biennale di Venezia del 1988, per culminare con Pavimento in ceramica (2007), grande lavoro che realizza la fusione di architettura e segno: pavimento di piastrelle in gres dipinto, con segni alternati di colore verde e cobalto su sfondo bianco, che intende anche rimandare a un forte legame con la tradizione creativa delle arti applicate in Sicilia ed è stata realizzata a quattro mani con Gianna Nannini, che ha concepito per essa un suo brano come specifica presenza sonora parallela a quella visiva.

La mostra realizzata in collaborazione con lo Studio Accardi, sede dell'archivio dell'artista, RAM radio arte mobile di Roma, sua principale galleria di riferimento e ZERYNTHIA Associazione per l'Arte Contemporanea, è il primo grande evento espositivo dell'artista in Italia dopo la serie di significative mostre internazionali che le sono state dedicate, come quella al Centro Cultural Recoleta di Buenos Aires.
Inoltre sarà anche importante occasione per presentare al pubblico il nuovo libro di Germano Celant "Carla Accardi. La vita delle forme", in corso di pubblicazione, che raccoglie le opere dal 1996 al 2009, con un'integrazione del catalogo generale, attraverso gli inediti dal 1946 al 1995.
In occasione della mostra, verrà pubblicata una monografia a colori a cura di Luca Massimo Barbero, edita da Silvana Editoriale, che attraverso un ricco apparato iconografico intrecciato a saggi inediti e a una selezione di materiali documentari, intende proporre un percorso di lettura mirato dell'opera di Accardi, dedicato alla relazione tra segno e trasparenza.

"CARLA ACCARDI Segno e trasparenza"
Catania, Fondazione Puglisi Cosentino
(Palazzo Valle, via Vittorio Emanuele 122)
6 febbraio - 12 giugno 2011.

2011-01-25T18:29:00.019+01:00

RAM
ARTE FIERA BOLOGNA 2011
27/31 gennaio
PAD 15 - STAND C 39
-
Michelangelo Pistoletto
Maurizio Savini
Vettor Pisani
Rainer Ganahl
-
inoltre ci sarà:

Fifty-fifty: metà per le automobili, metà per le biciclette

un incontro presso Artefiera Bologna 2011
per lanciare il manifesto pro-bici di RAINER GANAHL

Art Talks c/o Hall 18
venerdì 28 gennaio ore 17.30

Organizzato da
Fondazione Marino Golinelli, Bologna
RAM radioartemobile, Roma

2011-01-18T18:52:00.026+01:00

COMPAGNI DI VIAGGIO

(TRAVELING COMPANIONS)
-
RADIO AS AN ARTS SPACE
Mestna Galerija Ljubljana
20.1.2011 - 6.3.2011
-

RADIO AS AN ARTS SPACE – radioCona STATION ZONE : broadcast 09
19th (wed) till 23th (sunday) January, 2011, between 4pm and 11pm on 88.8MHz (Ljubljana, Slovenia) and on the live stream – link and program schedule will be provided from radioCona RAM Live (Roma, Italia).
web site. The whole programe will be simultaneously re-broadcasted on the internet art radio

RADIO AS AN ARTS SPACE – STATION ZONE – curated by Irena Pivka, Ilari Valbonesi, Brane Zorman – will act as a sound art platform, intersecting selected archives from Rome and Ljubljana broadcasting sound art productions, texts and interviews from radioCona, Radio Študent, Maurizio Nannucci, SoundArtMuseum, RAM, MGLC, ŠKUC, Galerija P74, artists archivesZVO.ČI.TI (So.und.ing) project. and

The project is curated by Irena Pivka, Ilari Valbonesi in Brane Zorman.

Program radioCona RADIO AS AN ARTS SPACE – STATION ZONE is a part of a COMPAGNI DI VIAGGO exhibition, curated by: Alenka Gregorič, Mestna galerija Ljubljana, Slovenia

——————

produced by – radioCona / CONA
partners of the project: Mestna Galerija Ljubljana, Zerynthia / RAM Live, Novi Radio Beograd
project RADIO AS AN ART SPACE is cofinanced by European Cultural Foundation ECF(BIFC)
project radioCona is cofinanced by Ministry of Culture of the Republic of Slovenia and the Municipality of Ljubljana

Compagni di viaggio / Traveling Companions

Consisting of several segments, this exhibition provides a multilayered view of the artistic production of the featured artists and the role, or perhaps simply a visual reflection, of their friendship with the two key protagonists, Dora Stiefelmeier and Mario Pieroni, whose archives, collection of artworks, and current projects are put on view. The process of the selection for and the staging of the exhibition were guided by the predominant idea of showing Stiefelmeier and Pieroni’s participation in the production of artworks, their work on exhibitions, and, last but not least, their informal and congenial associations with numerous prominent figures both on the Italian and international art scenes. Hence the title of the show Compagni di viaggio / Traveling Companions, which presents, by way of a variety of artworks, audio archives, videos, postcards, letters, poems, and documentary photographs, the many years of their active cooperation and friendship.The drawings, sculptures, postcards, letters, and artist’s books with inscribed dedications displayed on the first floor bear witness to the lively activities of the Pieroni Gallery in the 1970s and 1980s, of the non-profit organization Zerynthia established in the early 1990s, and of radio RAMradioartemobile. This collection had grown out of the decades of close contacts between Stiefelmeier and Pieroni, on the one hand, and artists and other figures on the international art scene, on the other. Both the selection of works and documents and the design of their display are the work of the Irwin group, who have used the material to produce a distinct view, interpreting and translating into exhibition format the story of professional and friendly links between people of different generations and styles of expression. Most artists are presented with a single artwork, or even only with a postcard they sent on some occasion or other (intervening in the given visual image, putting their thoughts in writing, in the intervention, or in the choice of motif), with a taped video work they made, having been unable to meet in person, or even an intervention in Stiefelmeier and Pieroni’s home or gallery. This provides visitors with an opportunity to see a great deal of documentary material and artworks, which in their diverse ways reflect the cordial links between, as well as some quite intimate details in the lives of, Stiefelmeier, Pieroni, and the artists.The last decade of their active participation and creative zeal is represented by three works: RAM live, SAM SoundArtMuseum (an installation by Getulio Alviani and Pietro Grossi), and the current project Il Treno www.radioartemobile.it since 2001 and collecting such audio material as sound artworks, interviews, dialogues and other related materials. (The Train). In collaboration with RAM live – an Internet radio station broadcasting from RADIO AS AN ARTS SPACE – STATION ZONE - curated by Irena Pivka, Ilari Valbonesi, Brane Zorman - will act as a sound art platform, intersecting selected archives from Rome and Ljubljana, broadcasting sound art productions, texts and interviews from radioCona, Radio Študent, Maurizio Nannucci, SoundArtMuseum, RAM, MGLC, ŠKUC, Galerija P74, artists archives and ZVO.CI.TI (So.und.ing) project.

For the first few days of the broadcasting, radioCona will have its studio on the ground floor of the gallery, broadcasting live a program on 88.8MHz and on www.cona.si/

radio in collaboration with RAM radioartemobile www.radioartemobile.it that will include, in addition to the selected audio works and sound art projects, interviews, talks, and other content.

The current projects are exhibited on the second floor: a number of sound works; the archive of the SoundArtMuseum (established in 2004 and curated by Lorenzo Benedetti, Riccardo Giagni, and Cesare Pietroiusti, it has over 1,000 audio works); and the second station of the Il treno project (the first one was in Turin on November 6, 2010), entitled Landscapes on the Move, curated by Lorenzo Benedetti and Cecilia Casorati, and presenting works by Donatella Spaziani, Liliana Moro, Mario Airò, Massimo Bartolini, Dario D’Aronco, Marco Fedele di Catrano, Valentino Diego, Donatella Landi, Eva Marisaldi, Alfredo Pirri, and special guests of the Train project, Jannis Kounellis and Alvin Curran. The sequence of exhibitions, meetings, and short trips creates the connections between the chosen galleries, while metaphorically the title can be understood to refer to the rapid succession of scenarios and stories changing in the art spaces as quickly as they would on a train, broadening the horizons of the viewers-passengers in the process.Also Ferdinando Vicentini Orgnani’s documentary S.T. (Untitled), a work in progress featuring many of the artists participating in Compagni di viaggio, and Jimmie Durham’s film Pursuit of Happiness will be screened as part of the exhibition. (Alenka Gregorič)

The exhibition has been supported by Istituto Italiano di Cultura in Slovenia.

2011-01-13T16:43:00.005+01:00

Gulsun Karamustafa
The monument and the child
Academy of Fine Arts Vienna
21 January - 27 February 2011
-

My City is designed and impemented by the British Council in cooperation with Anadolu Kultur, Platform Garantie Contemporary Art Center and a number of partners in Turkey and Europe with the financial assistance of the European Union ((EU-Turkey Civil Society Dialogue: Cultural Bridges)
Commissioning new works by prominent artists from Europe, 'My City' has explored art and public space in five cities across Turkey. The cities are Canakkale, Istanbul, Konya, Mardin and Trabzon.

In addition, artists from Turkey were hosted by leading residency programmes in Berlin, Dortmund, Helsinki, London, Vienna and Warsaw. The Academy of Fine Arts Vienna was able to invite the Istanbul-based artist Gulsun Karamustafa thanks to the British Council project 'My City' supporting the dialogue between institutions and artists in the European Union and Turkey.
Taking up the historical relations between Vienna and Turkey, Karamustafa relies on an autobiographical element: two photographs taken by her father show Gülsün Karamustafa as a girl in front of a monumental sculpture in Ankara which was part of a plan for the square by Clemens Holzmeister and executed by Anton Hanak. Holzmeister and Hanak, both professors at Vienna's Academy, underscored the close political and cultural connections between the two countries with their works. Karamustafa, who now draws on this constellation of autobiographical, political, cultural, and artistic traces in the context of the Academy, develops a three-dimensional and thematic narrative exploring the dialogues between the countries, the cities, and the representations of private and public spheres. The political character of her work lies in the fact that its subtext outlines a pattern of these spheres' connections and connectedness which is based on the insight that we have to abandon the idea of separate cultural and political terrains and territories. (Text: Andreas Spiegl)
Opening | 20 January 2011, 7:00 pm
Academy of Fine Arts Vienna
www.akbild.ac.at

2011-01-08T16:27:00.009+01:00

10 Gennaio 2011

Teatro Puccini, Milano

presentazione alla stampa del nuovo album “Io e te”, di Gianna Nannini

regia e allestimento scenico di Michelangelo Pistoletto

Nel laboratorio artistico di Gianna Nannini, bunKerart, a Milano l'8 febbraio 2007, è stato presentato Il Terzo Paradiso, ideato da Michelangelo Pistoletto.

Il lavoro proposto in questa mostra nasce dall’intesa artistica tra Gianna Nannini e Michelangelo Pistoletto, esponenti l'una del mondo della musica, l'altro di quello delle arti visive, che fondono due discipline e due linguaggi diversi.

La speciale collaborazione tra i due artisti è stata voluta e realizzata da Mario Pieroni-RAM radioartemobile.

L'opera realizzata dai due artisti, promossa e seguita da RAM, si è rinvigorita nelle varie tappe che il progetto ha toccato: il National Centre for Contemporary Arts di Mosca nel 2007, l’Accademia Nazionale della Bellezza di Minsk, il Castello Svevo di Bari nel 2008, il Marca di Catanzaro nel 2010.

Nel 2009, RAM e Arnoldo Mosca Mondadori hanno presentato una speciale edizione del volume Il Terzo Paradiso, in cui gli interventi di Gianna Nannini, Michelangelo Pistoletto e il regista Ermanno Olmi si inseguono e sostengono tra le preziose pagine del libro d’artista.

“Negli incontri con Michelangelo Pistoletto mi sono accorta che avevamo in comune oltre che “l’amore per le differenze”, anche il mettere in discussione "l'univocità della creatività”, richiamando lo spettatore alle sue responsabilità.

Il Terzo Paradiso, per quanto mi riguarda, è il poter “creare” l’allargamento di questa opera, cercare una continuazione, una trasformazione di cui lo spettatore è responsabile, conscio ed attivo.” (Gianna Nannini)

“Gianna Nannini ha dato voce e corpo all'immagine del Terzo Paradiso,emblema di nuovo umanesimo. La figura femminile sostituisce quella dell'uomo leonardesco che nel Rinascimento rappresentava la perfezione del creato.

Il disegno della società “ideale” assume adesso il ventre procreativo della donna come riferimento centrale.

Il cordone ombelicale che connette il passato e il futuro dell'umanità imprime in ogni persona il marchio della maternità. L'arte propone questo simbolo del Terzo Paradiso che ci unisce nella visione di un mondo nuovo” (Michelangelo Pistoletto)

2011-01-03T15:17:00.009+01:00

ISSUE PROJECT ROOM
Brooklyn - NY
-

ISSUE Project Room embraces the integrity of creative exploration and the spirit of unfettered artistic expression by offering a vital meeting place for disparate forms of creativity.

ISSUE Project Room provides an open and versatile environment in which established and emerging artists conduct, exhibit and perform new and site-specific work. Through an evolving collaboration with curators, artists and educators, ISSUE Project Room foments widely ranging artistic projects that challenge and expand artistic practice.

ISSUE Project Room fulfills its mission by curating innovative programs, events, exhibitions, performances, talks and concerts.

http://www.issueprojectroom.org

Florian Neufeldt

2010-12-21T19:33:00.004+01:00

Florian Neufeldt
Nothing succeeds like success, and nothing survives like survival
Prevenire la cura

mercoledì 15 dicembre, ore 18:30
26cc via castruccio castracane 26 Roma

26cc apre la nuova stagione con due mostre. La personale dell’artista tedesco Florian Neufeldt – in collaborazione con The Gallery Apart – e Prevenire la cura che presenta i progetti di dodici curatori. Nothing succeeds like success, and nothing survives like survival, parla di inibizione e dell’impotenza di fronte alle dinamiche incontrollabili del potere. Gli scheletri di alcune sedie da ufficio – manipolate in modo da alterare il binomio aspetto/funzione - compongono un’originale e frammentata architettura aerea che ospita il suono. Gli altoparlanti diffondono il suono di una voce che recita ripetutamente – e fino a rimanere senza fiato - una serie di parole che sembrano avere un significato simile. Le parole recitate si riferiscono alla sopravvivenza e alla competitività in ambito sociale, ad esempio: forza, resistenza, potere; sono una sorta di mantra inutile, quasi grottesco perchè la voce si fa sempre più flebile. Neufeldt sceglie volutamente parole ambigue che hanno sensi e significati diversi, se si confronta il linguaggio comune con quello utilizzato, ad esempio, nella sfera economica; e in tal modo pone in evidenza le strategie attraverso cui il potere agisce, utilizzando le regole e i codici in maniera esclusivo. Prevenire la cura è una mostra di progetti curatoriali non ancora realizzati: una raccolta di idee, di riflessioni e di possibili azioni nella pratica dell’arte, che affermano la centralità e la necessità della cultura. Come già Usine de rêve – la rassegna realizzata da 26cc nell’aprile 2009 che raccoglieva i progetti di cinquantotto artisti – Prevenire la cura non si limita al momento espositivo, ma diviene luogo attivo di ricerca e realizzazione, i dossier, infatti, verranno raccolti in una pubblicazione e inviati a enti pubblici, fondazioni e centri culturali. I curatori invitati sono: Antonia Alampi, Giusy Checola, Vincenzo De Bellis e Bruna Roccasalva (Peep-Hole), Micol Di Veroli, Gabriele Gaspari, Francesco Lucifora, Susanna Sara Mandice, Fabrizio Pizzuto, Francesca Referza, Anna Simone, Stefano Taccone, Marco Tagliafierro Special guest di Prevenire la cura è RAM radioartemobile che presenta una selezione dei progetti non realizzati negli ultimi anni. Le mostre resteranno aperte fino al 31 gennaio 2011 e saranno visitabili su appuntamento.

INFORMAZIONI:

26cc via castruccio castracane 26,28a,30 – 00176 roma www.26cc.org info@26cc.org : c.caso@mclink.it; svedovotto@gmail.com

Florian Neufeldt, MORE OR THE SAME 13 dicembre 2010 – 12 - febbraio 2011 The Gallery Apart – Via di Monserrato, 40 – 00186 Roma dal martedì al sabato 16,00 - 20,00 e su appuntamento INFORMAZIONI: tel/fax 0668809863 info@thegalleryapart.it – www.thegalleryapart.it

RAM LIVE

21 dicembre 2011 - 4 marzo 2012

Omaggio a Edith Schloss,scomparsa la scorsa notte

21 dicembre 2011 - 4 marzo 2012

Radio Arts SpaceFM/online/galleryexhibition

LEONID TISHKOVDerelict Utopias-

Galerie Jiri Svestka Berlin

30/08/2011

M - Museum LeuvenLeopold Vanderkelenstraat 28, B - 3000 Leuven - BEwww.mleuven.be

P C M. PARLAMENTO CULTURALE MEDITERRANEO

ALFREDO PIRRI

domenica 20 febbraio 2011

Florian Neufeldt

Omaggio a Edith Schloss,
scomparsa la scorsa notte

Radio Arts Space
FM/online/gallery
exhibition

LEONID TISHKOV
Derelict Utopias
-

M - Museum Leuven
Leopold Vanderkelenstraat 28, B - 3000 Leuven - BE
www.mleuven.be